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聆听音乐，聆听音乐

音乐
2023-06-15

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《槐晌仔聆听音乐》好。

1、侧重于对音乐的欣赏，倾向于实践，更谨敏贴近生活。

2、《听音乐》更侧重于理论知识，较为古板单一。《聆听音乐》与《听音乐》都是古典铅汪音乐书籍。

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一、在组织教学中，培养学生养成倾听音乐的习惯

（1）在音乐节奏中进教室

当学生走进音乐教室时，我让学生按照音乐的节拍，并踏着整齐的步伐进教室，或按照音乐的节奏自由表演，强调学生听音乐并注意节奏。如果有三分之一的学生没按要求进教室，我就有必要请学生重新进教室，把规矩做到位为止。久而久之学生就养成了进教室听音乐的好习惯。

（2）师生问好

上课时，我与学生问好都有固定的音乐，上行音阶表示起立，下行音阶表示坐下，要求起立与坐下都要做到“静”、“齐”、“快”，师生有表情地唱问好歌。

（3）用身体语言表达音乐情绪

在教学过程中，我经常要求学生听音乐并用自己的身体语言来表达音乐的内容和情绪。对谈贺渗表现到位的组及时给予整组奖励，对于低段学生，我及时指出，告诉他不够的地方在哪里。比如有的学生讲废话，不听音乐表演；有的学生顾自己玩耍，或做一些跟音乐无关的事情等情况，教师都应及时指出。

音乐是听觉艺术，必须充分利用耳朵，充分体现艺术美，所以它跟其它学科不同，每一环节都要体现美。不仅要内容美、环节美、语言美，总之处处都要体现美。所以音乐课堂上很多语言都用音乐代替，学生听音乐来行动。

二、在歌曲演唱中，培养学生养成倾听的习惯

歌曲演唱是音乐教学中的一个很重要的教学内容。无论是合唱或是齐唱都需要建立在聆听的基础上，要演唱正确的节奏、音准等也必须建立在聆听音乐的基础上。如果不会聆听，就不能很好表现整个艺术作品。

（1）在学唱歌曲时，让学生听出歌曲的拍子和情绪。

（2）一边听歌曲，一边加乐器伴奏或律动表演，脸部表现出听到的音乐情绪。

（3）听音乐默唱或跟着琴轻唱，耳朵听音乐伴奏，轻声的演唱，听出自己的音高是否与伴奏相一致，让自己唱歌不会跑调。

（4）听自己演唱出的歌声的音量及音准和其他同学的歌声，是否和谐统一。

（5）随着年级的升高，孩子们开始接触合唱。进行二个声部的和声音程训练时，演唱前先明确二个声部合在一起的音响效果，一边唱一边听一边调整合唱音响效果。在训练中，我从一个单音、一个音程、一个和弦开始入手，逐渐过渡到听一个乐句，再到听一首乐曲。多声部节奏训练对建立孩子的多声部的听觉能力是快捷的一条途径。从卡农式的二声部节奏训练入手含脊，训练声部的稳定性，训练听觉对声部的识别、跟踪的能力，再通过不同节奏织体的二部节奏训练加强声部的独立性和声部间的合作能力的训练，感受不同节奏织体交错发声的合作美。

歌唱的听觉训练是没有捷径可言的，教师必须耐心地、扎扎实实地进行从易到难、从简到繁的听觉训练，培养孩子们对旋律、和声音响听唱紧密相联的听觉能力，养成歌唱中倾听的习惯。

三、在音乐欣赏中，培养学生养成倾听音乐的习惯

在音乐欣赏教学中，往往学生很难静下心来或安静地欣赏音乐，我让学生用舞蹈、律动、脸部表情等表现方式来欣赏乐曲时，学生便更难做到用耳朵去倾听音乐。因此学生兴奋地手舞足蹈，课堂纪律比较混乱。在欣赏课中，我首先精心研究教材，进行有组织地教学，设计一定的教学情景，教学环节要环环紧凑，这样才能让学生更好地欣赏音乐。但是，孩子对于听音乐还处于一种无意识状态，我还要有意识地引导，教给一定的方法，在科学的方法中逐渐养成倾听音乐的好习惯。

（1）闭眼静听

第一遍欣赏音乐的时候，我要求学生闭上眼睛用心聆听，并充分发挥想象，设问“你的眼前仿佛出现了什么画面？”要想体验作者所传达的情感，拍罩这就要求学生全身心地投入倾听音乐。这样，学生才能对音乐的高低、强弱、节奏、调性等因素逐渐感知，以至对作品的情感、情绪做出判断。“音乐是心灵的语言”。心灵语言只能用心去感受，用心去沟通。在静穆中，音乐在人的精神上空升腾、泛化，那该是欣赏音乐的最高境界。课堂上，师生表面的“静”深层的动--内心深处的感动，这何尝不是主动参与呢？这恰似音乐中休止符的作用--此时无声胜有声。

（2）抓住音乐特点听

任何一首乐曲都是由音乐要素组成的，包括节拍、节奏、旋律、音高、力度、音色、速度等，各个要素有不同的表现意义。每一首曲子由于重点要素的不同而显示的特点是不一样的，我充分抓住重点要素引导学生倾听音乐，并用各种各样的方式来表达对这种音乐特点的感受，学生一定会有很大的兴趣并且更专注地去听音乐。

（3）有比较地听

不同的乐曲有不同的音乐节奏、音色、风格等等，我指导学生对音乐中不同的音色、织体、节奏、风格，有比较地听辩，使他们产生强烈的好奇心和求知欲望，唤起他们对音乐的感知，从而愉悦、轻松地进行音乐学习。渐渐地，学生就会更爱倾听音乐，这便达成一种良性循环。

（4）有“方向”地听

欣赏一首（一段）乐曲，所涉及到的内容非常多，学生不可能完全面面俱到。只有教师有意识的，有方向的引领学生聆听音乐，这样他们就不会迷失“方向”，学生便“听之有物”，并且“耳听脑想”，渐渐地就培养了学生倾听的好习惯了。

四、在音乐表现中，培养学生养成倾听的习惯

音乐是创造性最强的艺术之一。音乐艺术的这一特质，使音乐教育在发展学生们的创造力方面表现出了极大的优势，这无疑为学生发散性思维和创新能力的培养提供了良好的心理基础。在音乐课堂上教师经常要让孩子们在教室里听音乐自由表演，包括律动、游戏和创造表演音乐剧情等。表演的目的在于以动作表现对音乐的反应，只是表现音乐的一种外在形式，音乐绝不是可有可无的背景而已。所以一定要让学生学会在表演中倾听。

（1）在有序中表演

表演中学生可以以自己喜欢的方式来表现音乐。可以是站、坐，也可以离开座位在教室里自由流动，但要求快速。我说“一、二、三”后必须找到自己喜欢的地方，不能相互碰撞。不行，再来！一定要达到要求为止。在表演时，不能说话、不能嬉笑、不能碰撞，看见对面有同学过来了要礼貌谦让，哪里有空位置就往哪个方向流动。这样学生表演肯定非常有序，真的是“动而不乱、动而有序”。

（2）自由表演

学生单个人在教室里听音乐自由表演时，一定要听音乐，要合着音乐的节拍、节奏、情绪或其他音乐要素来进行，但脚步声、拍手声等不能超过音乐，就像弹钢琴时伴奏不能“盖”过旋律一样。为了培养学生在动中专注听音乐的能力，可以把音乐突然停住，要求学生在音乐停住的瞬间把动作凝固，变成一个造型，然后让学生发挥想象：此时的你像什么？

（3）合作表演

新课程强调与人合作，与人交流，所以在表演中也不乏“交朋友”。要求学生：不是跑过去对“朋友”说“我们一起表演吧！”，这样的课堂会乱而无序。而是在什么样的音乐中用什么样的身体动作走过去，用眼神和某些体态动作示意与对方或多方一起表演。学生必须随着这首乐曲柔和的情绪，用柔美的体态动作走到朋友面前一起表演，不能用活泼蹦跳动作走过去，与音乐相违背。同样，如果活泼跳跃的曲子就必须跟着音乐的节奏蹦跳过去。无论什么形式的表演只有学会善于聆听他人的想法和点子，思维会更开阔，创造的点子会更多，更有利于学生创造力的发展。

五、在音乐游戏中，培养学生养成倾听音乐的习惯

游戏是学生表现生活、学习生活的重要方式，也是情感最好的外在表现，更是学生喜欢的活动之一。要激发学生的学习兴趣，有效促进学习的效率，让学生热爱学习、并且愉快学习。在音乐课堂教学中开展游戏活动是一有效的教学手段之一。因为学生年龄特征：天真、可爱、好动、好玩、好奇又好表现的，因此学生更乐意在玩中学、乐中学、动中学。我根据音乐特点设计一些游戏，让学生积极倾听音乐参与游戏来学习音乐。

21世纪是一个飞速发展的时代，音乐教育对于培养学生的德、智、体全面发展，提高全民族的素质和建设社会主义精神文明有着十分重要的作用。小学音乐教学的一切活动，都应建立在培养学生有敏锐音乐听觉的基础上。因此，我们要多花一些精力去研究学生，用我们的睿智走近学生，让他们知道倾听音乐习惯的重要性，而不是让他们害怕上音乐课或是在音乐课上无目的地玩。只有让孩子们养成倾听音乐的习惯，我们才能在音乐课堂中发现更多意外通道和美丽图景，才会有师生共同创设的音乐激情旅行，也一定能让孩子们喜欢音乐课、喜欢音乐，从而为他们终身热爱音乐、热爱艺术、热爱生活打下良好的基础。

聆听音乐

我们每个人都根据自己不同的欣赏能力倾听音乐。不过为了便于分析起见，如果我仍把倾听音乐的全过程分成几个组成部分，那就比较清楚了。从某种意义上说，我们全是在三种不同的阶段上倾听音乐的。由于缺乏恰当的术语，不妨把这三个阶段称为：（1）美感阶段；（2）表达阶段；（3 ）纯音乐阶段。

把欣赏过程机械地分为这几种假设的阶段，唯一好处是可以对倾听的方式有个比较清楚的概念。

倾听音乐的最简单的方法就是纯粹为了对音响的乐趣而倾听，这就是美感阶段。在这个阶段听音乐，不需要任何方式的思考，我们在干别的事情时，把收音机打开，便心不在焉地抗浸在音响中了。这时单凭音乐的感染力就可以把我们带到一种无意识的然而又是有魅力的心境中去了。

你此刻可能正坐在屋里看这本书。设想钢琴上奏出了一个音，这个音是足可以立即改变房间的气氛——证明音乐的音响成分是一种强大的和神秘的力量，谁嘲笑或小看这点，谁就会显得很愚蠢。

令人惊讶的是，不少自从为是合格的音乐爱好者在这个阶段养成了不良的听音乐的习惯。他们去听音乐会是为了忘掉自己，把音乐作为一种安慰或解脱。他们进入了一个理想世界，在这樱辩个理想世界中人们无需思考日常生活中的现实。当然他们也没有思考音乐。音乐允许他们离开了音乐，把他们带到了一个幻想的境界，这种幻想是由音乐引起的，是关于音乐的，可是他们又不怎么倾听音乐。

是的，音乐音响的感染力是一种强大的和原始的力量，但你不应让它在你的兴趣中占据不恰当的位置，美感阶段在音乐中占有非常重要的位置，但这并不是全部问题的所在。

关于美感阶段无需扯得太远。音乐的感染力对每个正常的人来说都是不言而喻的。然而还存在着对不同作曲家使用的不同音响素材更为敏感的问题。因为并不是所有的作曲家都用同一种方法使用音响素材的。不要以为音乐的价值相当于它诉诸美感的程度，也不要以为最好听的音乐是由最伟大的作曲家写的。如果确实如此的话，拉威尔就应该是比贝多芬更伟大指芦的创作家了。问题在于作曲家使用音响要素的方式因人而异，他对音响的使用方式形成了他的风格的一个组成部分，这一点在聆听音乐时是必须加以考虑的。所以，读者可以看到，即使在聆听音乐的这个初级阶段，也值得采取更有意识的聆脊逗缺听方式。

倾听音乐的第二个阶段即我所说的表达阶段。在这里我们马上会碰到引起争论的问题。作曲家倾向于回避讨论有关音乐所表现的内容，斯特拉文斯基自己不是宣称过他的作品是有它本身的生命的“物体”，“东西”，而且除了它本身的纯音乐存在之外一没有任何其它意义了吗？他的这种不妥协的态度可能是基于这样一种事实：有那么多的人都试图对那么多的作品加以各种不同的解释。天知道要想用自己的解释准确地、明确地、最终地说清楚一首音乐作品的涵义何在从而使每个人都感到满意该有多么困难。但不应该导致另一个极端，即否认音乐有“表达”的权利。

我自己认为，所有的音乐都有表达能力，有的强一些，有的弱一些，所有的音符后面都具有某种涵义，而这种涵义毕竟构成了作品的内容。全部问题可以用下面的问答式简单地加以说明：“音乐有涵义吗？”我的回答是：“有的”。“你能用言语把这种涵义说清楚吗？”我的回答是：“不能”。这就是症结所在。

那些头脑简单的人对第二个问题的回答永远不会感到满意。他们总是希望音乐具有一种涵义，这种涵义愈具体，他们就愈喜爱它。愈能使他们想起一列火车、一场风暴、一次葬礼或任何其它比较熟悉的概念的乐曲，他们就愈觉得富有表现力。这种对音乐具有涵义的流行概念——通常是由普通的音乐评论员激发和唆使的——应该随时随地给以纠正。有一次一位胆小的女士向我供认，她担心自己的音乐欣赏力有严重的缺陷，因为她不能把音乐与某种明确的东西联系起来。这当然是把整个问题引向倒退了。

不过，问题还是存在的。那些明智的音乐爱好者在要求任何一首作品都具有明确的涵义方面要走多远呢？我说，充其量不过是一种一般的概念。在不同的时刻，音乐表达了安详或洋溢的情感、懊悔或胜利、愤怒或喜悦的情绪。它以无数细微的差别和变化表达其中的每一种情绪以及许多别的情绪，它甚至可以表达一种任何语言中都找不到适当的言词的涵义。在这种情况下，音乐家喜欢说音乐只有纯音乐的涵义。他们有时甚至更进一步说所有的音乐都只有纯音乐的涵义。他们的真正的意思是说，找不到恰当的言词来表达音乐的涵义，并且即使能够找到，也没有必要去找。

不过不管专业音乐工作者怎么讲，大多数初学音乐的人还是要制订明确的言词来说明他们对音乐的反应。因此他仍总是觉得“理解”柴科夫斯基要比“理解”贝多芬容易些。首先，为柴科夫斯基的一首乐曲制订内容明确的涵义要比为贝多芬的这样做容易些，容易得多。尤其是，就这位俄国作曲家来说，每当你回到他的一首乐曲上去的时候，它几乎总是向你述说着同一件事情；而你要想说清贝多芬在讲什么却经常是很困难的。任何音乐家都会告诉你，这就是为什么说贝多芬是更伟大的作曲家的缘故。因为每次都向你述说同样内情的乐曲很快会变成枯燥的乐曲；而每听一次都能有细微不同涵义的乐曲则具有更强的生命力。

如果可能的话，你不妨听一下巴赫《平均律钢琴曲集》中的四十八个赋格主题。一个主题接一个主题地听。很快你就会意识到每一个主题都反映着一种不同的情绪。你还会很快地意识到，主题愈是动听，就愈难找到能使你完全满意的言词来描述它。是的，你当然知道它是快活的还是悲哀的。换言之，围绕着这个主题可以在自己的头脑中构成一幅感情的框框。现在进一步研究一下悲哀的主题，尽力抓住它的确切的悲哀的性质。是悲观主义的悲哀还是听天由命的悲哀；是致命的悲哀还是带微笑的悲哀？

让我们假定你现在很幸运，你能用许多话把自己选择的主题的确切涵义描述得使自己满意，但是这并不保证使别人满意，别人也不必要满意。重要的是每个人都能使自己感觉到一个主题或整首乐曲所表达的特性。如果那是一首艺术巨作，每当你再听它的时候，本要期望它都意味着完全相同的事物。

当然，主题或乐曲不必只表现一种情绪。以《第九交响曲》的第一主要主题为例，很明显，它是由不同的成分构成的，叙述的也不只是一件事。然而不管是谁听它，都会马上有一种力量的感觉，一种有力的感觉。这种感觉并不单纯出于演奏的强大音响。这是主题本身所固有的力量。这主题的非凡的力量和活力给听众的印象好像是发生了一项强有力的声明。不过决不要试图把它归结为“致命的生命之锤”，等等。这就是麻烦开始的地方。音乐家在激怒中说音乐除了音符本身之外什么也不是，而非专业音乐工作者则过分焦急地渴望着任何可以使自己更接近于这首乐曲的涵义的解释。

读者现在也许会进一步了解我所说的音乐确实能表达一种涵义，但又不能用很多言词来说明其涵义是什么。

倾听音乐的第三阶段是纯音乐的阶段。音乐除了令人愉快的音响和所表达的感情外，确实存在于音符和对音符的处理之中。大多数听众并不能充分意识到这第三阶段。本书的主要目的就是要使他们进一步在这个水平上认识音乐。

另一方面，如果稍有区别的话，专业音乐工作者又太注意音符了。他们经常陷入下述错误，即全神贯注于琶者和断奏，从而忘了他们所演奏的乐曲的更深刻的方面。但从外行的角度来看，提高自己对正在演奏的音符的理解比克服纯音乐阶段的坏习惯更为重要。

当一个人在街上稍微注意地聆听“音符”时，他很可能会提到这支旋律。他听到的是一支美妙的旋律，或者不是，一般地说，他就不再去想它了。其次他注意到的很可能是节奏，特别是如果这种节奏令人兴奋的话。而和声与音色常常被认为是理所当然的，如果想到它们的话。至于这音乐是否有某种明确的形式，他好像从来没有考虑过。

我们大家都应当更多地在纯音乐阶段感受音乐，这一点非常重要。毕竟，人们使用的是实际的音乐素材。明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。尤其重要的是，为了追随作曲家的思路，必须懂得一些音乐曲式的原理。聆听这一切要素就是在纯音乐的阶段欣赏音乐。

让我再重复一遍，我们是为了听得更清楚才把聆听音乐机械地分成三种不同的阶段的。实际上，我们从来不单独在一个阶段上聆听音乐。我们所做的是使各个阶段相互联系——同时以三种方式聆听。这不需要思考，凭直觉就会这样做的。

与我们坐在剧院里看到的情况相比较，也许会搞清楚这种直觉的相互联系。在剧院里，你会注意到那些男女演员、服装和道具、音响和动作。这一切都会使人感到剧院是个令人愉快的地方，并构成我们对剧院的反应中的美感阶段。

从你对舞台上发生的事情的感觉中可以得出在剧院中的表达阶段，你被感动得产生怜悯，兴奋或快活的情绪，这种台词之外的、舞台上的某种令人激动的东西所产生的总的感情，与在音乐中的表情的性质是相类似的。

剧情与剧情的发展相当于我们所说的纯音乐阶段。剧作家在塑造和发展角色方面与作曲家在创作和发展一个主题方面所采用的手法完全相同。你将根据你对这两种艺术家在处理素材的手法方面的认识程度成为一个更明智的聆听者。

可以明显地看出，常去剧院的人从来不会分别地意识到这些要素，他同时意识到各个方面。这个道理也适于聆听音乐。我们同时地、不加思考地在这三个阶段上聆听。

从某种意义上说，理想的聆听者是同时既能进入音乐又能超脱音乐的，他一方面品评音乐，一方面欣赏音乐，希望音乐向这一方面进行，又注视着音乐向另一方向进行----就像作曲家在创作音乐时那样；因为作曲家为了谱写自己的乐曲，也必须进出于自己的乐曲，时而为它所陶醉，时而又能对它进行冷静的批评。在创作和欣赏音乐时要同时具有主观的和客观的态度。

所以，读者应当更积极地去聆听。不管你听的是莫扎特的还是埃林顿公爵的作品，只有当你成为更自觉的、更有意识的聆听者——不仅在听，而且在听某些事物的时候----你才能加深对音乐的理解。

源自网络！当搬运工。