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1.求《梵高传 渴望生活》读书笔记
——读《渴望生活 梵高传》有感
读罢《渴望生活 梵高传》，我身心乏痛，身乏缘于欧文斯通的笔法啄我贪夜苦读，肢体因年非老者而早衰的昭示。而我的心痛则并非单单因读到他残侍自己时的感情刺激后的心脏反应。这种心痛是一种发自心底的穿透性极强的生命的脉径在瞬间的痛饶。
当我看到他面对饥饿、病痛、心灵的煎熬、情感的失意等每一次生活的打击时，他都锻造着自己。不屈的头高高地仰起，他脆弱的心越加的坚韧，在他的心中一直保持着那个钢铁一般的执着的追求时。我想：他是为绘画而生的，绘画就是他的生命。他是在我的印象中是执着追求事业达到如醉如痴，疯狂至颠的，与徐志摩对诗歌的追求有着不少类似点的人物。濮存昕在看过《渴望生活 梵高传》这本书后感言：“梵高在生活中像个智弱的残者，在艺术上却是创造精神的圣人。我们做不了梵高……”从我自身追求上讲我极其渴望在事业我成为梵高，但我也想说：我无能做成梵高。这是我读完《渴望生活 梵高传》的第一感触。
梵高把他的内心世界全部表达在画布上，那是他唯一的表达方式，人们透过画布看到了他滚烫的心：朴素、善良、执著、热情、高贵的心。在他生前，生活没有给他他所想要的梵高东西，他的爱情是失败的，“你不过是一个乡巴佬而已”和表妹的生活漓并没有珍珠鸟个的爱情。他作为画商也是不成功的 ，他所卖掉的几幅画只是卖给了他的叔叔。他的生活中的一切似乎都在和他开玩笑，捉弄他，磨练他，打击他。但他热爱生活，并且溶入其中，甚至触到生活的精髓。感谢艺术家在平凡人心中投下的光影，让平凡善良的人们在现实的生宏让活中，心灵不至于干涸，灵魂不至于寂寞。这是一种境界，这是一种追求。一种用画笔来弥补他不善于表达的缺憾的梵高生活。也许有人会问：你也可以像他这样的做，你怎么就不能成为梵高呢，你是教师，你也可以在你的蔽培局事业上成为中国梵高秋思。我敢于去狂想，但我却不敢狂言成为梵高的应典。
首先我想说：温特森梵高是荷兰画家温森特•梵高，是 19世纪人类最杰出的艺术家之一，我随时间的流逝已经离他200个年头，从时间上讲就是一个后者。国际的不同，生活的境地不同，注定锻造不出同样的他和我 。在时间上，我就是一个后字最后一横落笔的那一点墨迹。
其次：梵高的苦难经历对他的历练远远的超过我，也许就是生活的磨练越多的人对事业的追求的就越加的执着，我还没像他一样的经历。意识上还不明晰，意志上固然还在不断的动摇。虽然自己也想过如何去磨练自己 去锻造自己，但终因汲取的养分有限，专中拦业潜修承度缺乏，固然不知了了生若水。
梵高不会知道，多少年后，人们在他的画作前流连往返，唏嘘感叹。世界上每天有多少人在临摹《向日葵》。梵高也许会很安心，因为世界上有那么多的人爱他。我就是其中的一员，虽然画笔没有他那细腻体验生活的绝妙，但毕竟是心中的一种崇拜，和偶得的闲嗜 。我非常的感谢被誉为传记之父的美国当代著名作家欧文•斯通先生，在梵高还默默无闻的时候便写出了这部文学传记，在拜读中让我懂得生活中还有这样在困境中对自己的事业执着追求的圣人。这也许就是一种非喧嚣说教的效应。
文森特凡高是世上最孤独的人.这是欧文斯写的前言
破碎带来快乐，可以不再绝望
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2.《渴望生活梵高传》的感悟
八十年代，我上大学的时候，正处于一个文学艺术疯狂的年代。
那个时候，热爱艺术的大学生们，经常聚在一起，热火朝天地谈论着艺术问题。他们也谈论着弗洛伊德，谈论尼采，谈论康德、叔本华。
那是一个断层的时代，是一个旧的死去，新的还未诞生的时代。那个时候，人们还需要榜样，需要激励，需要看到人生闪光的东西，需要生命燃烧过程中光彩照人的美感。
那些做着艺术梦的年轻人，找到了温森特·凡·高，一个荷兰画家。他们如饥似渴地阅读欧文·斯通的《渴望生活——凡·高传》。
温森特支好画架，长吸了一口气，闭上了眼睛。不会有人睁着眼睛把这样的色彩捕捉住的。
修拉关于科学的点彩法的论述、高更关于原始艺术装饰的高谈阔论、塞尚那些在富于实体感的平面影响下的外观、劳特累克那些彩色的线条和充满怒气的仇恨的线条，全都退去了，消失了。现在，那里只剩下了温森特独自一人。”
一切都像传说中的故事那么遥远，一切又都像回到自己的心灵一样那么亲近。在这样的亲近中，画家走进了心灵的自然。
在这样的亲近中，我们走近了画家和他的心灵。 向着太阳奔去，作为生命的存在，作为与大地、大地上的事物和迷人的天空彼此照见的一个善良的人。
3.梵高的渴望生活>里面最有名的一段话是什么啊
“痛苦便是人生。”这是名画家梵高的临终遗言，也是他那短暂一生的真实写照。文森特梵高是世上最孤独的人之一。这是欧文斯通写的前言。他曾给梵高写过一本传记，书名是《渴望生活——梵高传》。
在《渴望生活——梵高传》中，美国著名传记作家欧文·斯通用一支神奇的笔勾勒了这位一代印象派巨擘那充满痛苦的悲剧人生。
文森特梵高是世上最孤独的人之一。这是欧文斯通写的前言。 这个荷兰画家因为精神失常，割掉了自己的耳朵。最后开枪身亡。
他在阳光充沛的田野上，对着自己的身体开了一枪，然后掩着伤口回到家里，拖了几天后死去。在他的弟弟提奥的怀里。
只有提奥支持他的绘画。提奥定期给生活窘迫的梵高汇钱，让他能在满足温饱的前提下继续创作。梵高则不断地写信给弟弟，告诉他自己创作的过程，对生活的信心和绝望。
19世纪的印象派画家里，梵高是一个另类。他的画有点类似儿童的创作，线条和色彩大胆纯粹，醉心于风景，植物和贫苦大众的描绘。鸢尾花，向日葵，星空，麦田，苹果园，夜色中的咖啡店，吃土豆的农民，拾麦穗的妇人。
画面中的每一个物体，都以独特的方式燃烧着它的生命力。
它们已经不仅仅是一些静物。它们是凄艳的生命。
没有一个画家的用色，会像梵高这样浓烈，明亮，无法控制般的亢奋。深红，铭黄，碇蓝，艳紫，苍绿。油彩有时候以凝固状态呈现在画布上，无法稀释和抹匀，好像一颗被揉搓的灵魂，把暗红的鲜血喷射在包容着无限向往的空白上。
粘稠的血液因为激情，在丧失倾诉的寂静中，像混乱的手指，因为无法抓住空虚而扭曲。
危险天空下的麦田。一种骚动激越的情绪纠缠在压抑而明丽的色彩中，令人不安的气息扑面而来。是暴雨之前的清新而寒冷的风。是灵魂无法突破的孤独。
梵高终于发现，生命的疼痛滋长于自我挖掘的伤口。于是，他给自己开了一枪。
破碎带来快乐。可以不再绝望……
4.关于梵高传的好词好句,急···
梵高传中喜欢的句子 她们贫苦，或许还不幸，但是痛苦使她们获得了灵魂。
上帝是不存在的，事情就是那么简单——没有什么上帝，唯有一片浑噩——悲惨、苦难、残酷、煎熬、黑暗和无尽头的浑噩。 我们内在的思想常常外露出来吗？也许在我们的灵魂中有一团热火，但没有人用它使自己暖和起来。
过路人仅仅看到烟囱里冒出一点烟，照旧走自己的路。你瞧，该怎么办呢？一个人不能守护着这团内在的火，心怀这个刺激物，耐心地等待某个人走来坐在它旁边的时刻到来吗？ 我将尽力而为，但我一点不轻视平凡，就其纯粹的意义来说，轻视平凡的东西，就一定无法超越这个起点。
你永远不会认识爱情，因为它不能生存，即使你的肌肤能够忍住火烧的痛苦之严酷考验，它也不能生存！” 一阵无声的悲伤巨涛涌上他的喉咙。他举起左手捂住嘴，压住阿姆斯特丹和整个世界也许永远不会知道他已经受到判决和被认为一钱不值的喊声。
他的嘴唇尝到了事与愿违的惨苦的、惨苦的幻灭。 不论画人物还是风景，他希望表现的不是感伤，而是严肃的悲痛。
“普通人的头脑是依二元性来思考的：光和影、甜和酸、善和恶。那种二元性在大自然中是不存在的。
世界上既没有善，也没有恶，只有存在和实践。当我们描绘一个行动的时候，我们就是在描绘生活；当我们给那个行动命名——如邪恶或建狠——的时候，我们就进入了主观偏见的领域。
首先，我们认为一切的真实都是美好的，不论它的面貌会显得多么可怕。大自然的一切，我们全盘接受，一点不漏。
我们相信，在粗糙的真实中，比在巧妙的谎话中，有更多的美；在下层社会中，比在全巴黎的沙龙中，有更多的诗意。我们认为痛苦是好的，因为它在人的全部感情中，是最深刻的。
我们认为性是美的，甚至即使是由妓女和龟鸨所表演的。我们把个性放在丑恶之上，把痛苦放在可爱之上，把穷困的现实放在法兰西的全部财富之上。
我们全盘接受生活，不作道德上的裁判。 “我的画家的手指长得驯服了，”他想，“即使我的躯壳渐渐碎裂。”
“你并不丑，文森特。你是美的。
你自己在糟蹋和折磨了包裹着你灵魂的可怜躯体，但是你无法伤害你的灵魂。我爱的正是你的灵魂。
当你用热忱的劳动摧残你自己的时候，灵魂将继续生存……没有尽头，我就为这爱你。” 梵高是一个伟大的艺术家，但却不是一个真正意义上的人。
冥冥之中他的生命是为了创造那些画而存在的。就像巴顿将军说的，战士最好的归宿就是被战争胜利的最后一颗子弹打死。
他对艺术的执着和激情是好的。但是他的生活是不敢赞同的。
假如没有供养他的弟弟，或者他的画最后并没有成功，那么他就是一个极其失败的人。他所缺的正是对生活对周围人的责任感。
或许正是因为我们太多的束缚所以我们才不能成为艺术家。这本书可以指导我们对艺术的态度，但不能指导我们生活。
不是每个人都能像艺术家那样生活。我们只是平凡的人，我们只能妥协。
5.渴望生活——梵高传 简介（字少点）
梵高的一生同他的每一幅作品一样充满了亢奋而绝望的艺术激情。
金色的向日葵、燃烧般的丝柏、风吹过的麦田、夜幕中的咖啡厅，灿烂迷人的星光……每一个细节都散发出温暖和动荡的激情，一幅幅狂嚣般的画面，都是梵高孤独内心底层最深的呐喊。他狂放的笔触、流动的色彩和喷薄而出的热情，在凝神的一瞬就将人们的灵魂裹挟而去。
正如他所说：“生活对我来说就是一次艰难的航行，但是我又怎么会知道潮水会不会上涨，及至淹没嘴唇，甚至会涨得更高呢？但我将奋斗，我将生活得有价值，我将努力战胜，并赢得生活。”他悲剧性地献身于艺术的一生，本身就是一件无上的艺术杰作。
6.渴望生活梵高传每一卷的主要内容
【第一卷 博里纳日】梵高做牧师，传教士，最终确定绘画理想的经历。在荷兰阿姆斯特丹学拉丁文、希腊文，读圣经，在于曼德斯相处得一年里，确定了自己做传教士的理想；
于是去福音传道学校，最终被分配到以挖煤为生的瓦姆镇，在这里，梵高饱受饥饿、寒冷和孤独，帮助这里的人们，但最终却受福音传道学校否认；无力改变博里纳日人的悲苦生活，使梵高失去了上帝，失去了自我；浑浑噩噩中，梵高爱上了素描，找到了做艺术家的信念。
【第二卷 埃顿】梵高在家乡布拉邦特的生活、学画经历。去海牙探情况，拜访表哥毛威和画商特斯提格，找到学习地；另一方面，上演了爱情第二幕悲剧，凯因失去丈夫来到埃顿，再次唤醒梵高的爱情，却被无情地拒绝，即使自己拿左手烧伤也没用，是他对爱情绝望。
【第三卷 海牙】梵高在海牙的学画经历。拜毛威为师，请特斯提格点评画作；靠弟弟提奥每月寄极少的钱生活；后来，与毛威关系破裂，被特斯提格批评地一文不值，被艺术家韦森布鲁赫嘲笑；
同时，上演了爱情第三幕悲剧，爱上妓女克里斯汀，确实享受的爱情的滋润，家庭的温暖，但被金钱所限，克里斯汀和她母亲受不了她挨饿，受不了邋遢的艺术者梵高，这个注定不完美的婚姻破灭了。
【第四卷 纽恩南】梵高再次回到家乡，不受家人认可，受邻居嘲笑，最终在父亲死后彻底被家庭隔离，在一个农夫家里进行他的绘画，《吃土豆的人》的凭记忆创作，与印象派就已结下不解之缘；
爱情对于梵高终究又是一场悲剧，只有被爱没有爱，加之玛高特的母亲和姐妹的阻拦，使得玛高特自己结束了自己的生命。梵高的艺术路到此走了五年，已走了一半。
【第五卷 巴黎】梵高在巴黎接触到印象派，接触到与他一样的穷艺术追求者。他学习提高自己绘画的色彩，起初成了对印象派粗糙的模仿，但在三年的时间里，猛然回头却发现了质的改变，梵高找到了自己的风格；
他原本办一个他们一群无人问津的艺术家自己的画展，但由于太多事使梵高迷茫，最终还是放弃了，由于对画笔的渴望。
扩展资料
孤独是梵高身上最显著的标签，他也是艺术史上最为著名的单身汉。在梵高的一生中，他像所有热爱生活的年青人一样，不仅经历过疯狂的痴爱，也经历过痛彻心扉的分手，但他最终也没有能搭建起支撑他精神世界的家庭。如果用一个词汇来描述梵高的爱情之路，那应该就是失败。
1873年二十岁的梵高离开了工作四年的海牙，被调到古比尔公司伦敦分公司工作。初来伦敦梵高对工作对生活充满希望，他在1874年1月写给弟弟提奥信中说：
我在这里一切安好，我有一个温馨的小家，能游览伦敦体验英伦生活，观察形形色色的英国人，我觉得分外愉快。我的生活里有自然，有艺术还有诗，难道这些还不够吗
此时的梵高生活惬意，踌躇满志，但时间不久他便经历了他人生中的第一次失恋，品尝到了痛苦的滋味。在伦敦，梵高对房东太太19岁的女儿罗伊尔产生了爱慕，并向她求婚，但罗伊尔告诉梵高，她已经同别人订婚了，梵高与她绝对不可能。
梵高不听这些，反而锲而不舍地要求罗伊尔解除婚约，带来的后果是他被房东太太要求马上搬走。现存的梵高书信中没有提到他坠入爱河，他只在一封信里说到：我同这位姑娘约定彼此以兄妹相待。通过梵高与家人的通信可以推断出事情大概情形。
此时的梵高二十岁出头，初恋来得正常，身在异乡的一个孤寂男生见到活泼可爱又对他格外照顾的女孩，哪能不心动呢？伦敦时期梵高的工作和生活顺风顺水，他心中对未来充满了憧憬。只是对罗伊尔的求爱失败在他的心里多少留下了一丝阴影。
但很快他也把这一份单恋的苦恼移情到他那狂热的宗教理想中去了。
7.渴望生活梵高传 章节概括 各位帮帮忙啊
1853年3月30日出生在荷兰南部，布拉班特省有格鲁特·德特，是荷兰新教牧师泰奥多勒斯凡高（1822至1885年）和安娜·科妮莉亚莉亚·卡彭特时期（1819年至1907年）的长子。
1855年2月17日，文森特的妹妹安娜卷毛安东尼·凡·高诞生。1857年1月5日，凡高的一生知已弟弟提奥诞生。
1859年3月16日，妹妹伊丽莎白梵高出生。1862年3月16日，妹妹威廉敏娜·凡·高诞生。
1866年Zefen博根寄宿学校到最早的图画。1866年曾德特从农村寄宿制泽芬贝亨，梵高蒂尔博格进入文法学校。
1867年5月17日，他的弟弟科尼利厄斯埃利斯·凡·高诞生。1868年3月蒂尔博格离开文法学校。
1869年3跃进古皮尔艺术海牙分店店员，后来又去工作布鲁塞尔分行。1871沃尔特全家搬到了赫尔。
1872西奥开始与后者学校进行沟通。1873 2009年5月，文森特搬到伦敦分行，爱上了房东的女儿厄休拉·洛耶，日，西奥布鲁塞尔分公司为古皮尔公司的工作。
1874年，未能娶乌苏拉，回到荷兰，在巴黎古皮尔公司10至12月，回到伦敦后。1875 2009年5月，公司被转移到巴黎古皮尔热衷于神秘主义和宗教。
十月，他的父母搬到了亚丁。1876古皮尔驳回3月由公司；根据米勒得到“晚祷”刻版画。
四月拉姆斯盖特在英国为师，然后作为一个助理牧师在Isleworth。埃顿在12月。
1877年1-4月在多德雷赫特书店办公室，五月去了阿姆斯特丹，杨大爷活得积极寻求神的候选人。1878年七月放弃学业在阿姆斯特丹，埃顿后，作短暂停留八月入布鲁赛尔传福音学校三个月，但未能取得牧师的任命。
去附近蒙斯博里纳日矿区，非正式的传教士。1879年，由于工作过于热情，被教会开除，这悲惨的经历给他打下的标记；开始了流浪生活，阅读狄更斯，斯托，雨果，莎士比亚和米什莱的著作；推崇夏尔·格鲁，伦勃朗，吕代尔，巴比松画派和艺术的海牙学院；失望，因为贫困，失去了对生活的信心，开始绘制草图。
1880年，疏远期间与家人。春天奎姆，矿工家庭居住，道路的开始；复制米勒的作品。
十月赴布鲁塞尔，学习的视角和解剖。和布鲁塞尔，荷兰画家范莱帕德交流；西奥给予经济上的支持。
1881年，埃及突然期间（1881年4月12日-1881 2009年12月30日），4月，布鲁塞尔，埃顿去与父母同住；新寡凯表姐嫁给他不值得。十二月及家庭不和发生远离家乡去到海牙。
1882海牙时期（1881年12月31日-1883在9月12日），与表妹福安东·莫夫学画；开头的怀孕，被遗弃的克拉西娜（“西恩”）·玛丽亚·尼克·霍尔同居，并因此与突破卡里莫夫。月，梵高搬到了附近的埃因霍温纽南；收集英国报纸的插图，素描和众多的水彩画。
1883年，德伦特及纽南时期（在11月27日1883年9月-1885），九月和肖恩，赴荷兰德伦特画的北部。开始油画。
12月回到南方纽南荷兰，第一次与父母同住，后来离家独自生活。1884年，画水彩和“织工”的任务，与他父亲关系紧张；黄和范·德拉得很相得；日阅读欧仁·德拉克洛瓦的色彩理论；和乡村女孩玛丽·戈特爱到底不幸的结果。
1885年，安特卫普时期（1885年11月28日-1886年2月28日），作为“吃土豆的人”画一个大约五十农民画； 3月26日他的父亲突然去世，为埃米尔·左拉的“绿芽“和现实主义的其他作家的作品留下深刻的印象；十月赴安特卫普，参观博物馆；鲁本斯的光与色彩，构图大胆日本浮世绘，让他陶醉，得到了一些日本版画，心胸开阔，和板岩色调明亮。 1886年，巴黎期间（三月1886年至1888年2月20日），今年1至学习绘画美术安特卫普学院，二月下旬到巴黎生活西奥；在乎尔芒学习绘画工作室几个月；下画花特雷克斯，埃米尔·伯纳德，西涅克和高更等印象派画家；；德拉克洛瓦和蒙蒂塞利的影响，发现了“光明的绘画”；第八次也是最后一次印象派艺术展举办展览修拉的“星期日岛碗”，梵高采用了新的点彩技术。
1887年，由于当代艺术运动在法国靠近调色板就变得更加明亮的不断发展，害怕日本版画展览，两次在工人阶级的咖啡馆和满墙展示自己的作品；相识与毕沙罗，德加，修拉，塞尚和交流；成和埃米尔·贝尔纳过从甚密，以印象派和后印象派技术的理论影响，在巴黎厌倦了生活，向往阳光燃烧更明亮，更强烈的色彩华丽的法国南部。创作“唐爸爸”，并开始绘制向日葵种植。
1888年，铝期（1888年2月21日-1889年5月3日），2月赴铝普罗旺斯，住在加沙的Al咖啡馆，五月一日动议Rulamading广场“黄房子”； 10月20日高更和他一起住； 12月23日因精神失常，切断一只耳朵，高更回到巴黎。因为西奥的帮助下，三件油画和素描梵高展览在沙龙des家Indépendants的。
1889年，圣 - 雷米时期（1889年5月3日-1890年5月16日）4月17日，西奥，如果安娜邦吉（1862年至1925年）结婚；月，梵高自愿精神圣雷米医院，西涅克访问；画了许多画，主要景观；开始绘制丝柏树种植。高更和印象派的马先生说综合营举办的展览。
梵高看到蒙克在巴黎举行。1890年，奥弗期间（5月21日，在7月29日1890年-1890），复制德拉克洛瓦，米勒，伦勃朗和居斯塔夫·多尔的工作； 1五月31,2011，一个儿。
8.渴望生活 梵高传 讲述的是什么内容
荷兰画家温森特·梵高，是 19世纪人类最杰出的艺术家之一。
他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛备尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。
被誉为传记之父的美国当代著名作家欧文·斯通先生，在梵高还默默无闻的时候便写出了这部文学传记，时年仅26岁。60余年来，梵高的身世打动了无数读者，其魅力至今犹在。
这部作品也便成了作家的成名之作，并被译成8O余种文字，发行数千万册。 本译本于1982年出版， 18年来屡印不衰，正如译者常涛女士所言：“是梵高那在人生的磨难中摆脱了传统的桎桔而化入永恒的美丽灵魂吸引了一代代读者，《梵高传》也许会因此而有幸成为一部可以传之久远的书。”
9.《渴望生活·梵高传》梗概
过程 是个过程 ！！这种体传记的好处就是：它像一部电视剧一样吸引着你。
除去这本书做为一部合格的电视剧本，它还是一本不错的励志书（听众：废话！大部分传记书都是励志的！！！囧~）！
梵高的成功和他的兄弟提奥是分不开的。梵高有这样一个热爱他、体贴他、一生资助他、并且在梵高死后郁郁而终的弟弟真乃大幸！！！军功章有梵高的一半，更有提奥的一大半！
目录 ：
导言
序幕 伦敦
1 娃娃们的天使
2 古比尔公司
3 爱，以它自己的形象创造爱
4 让我们把这事忘了吧，好不好？
5 梵高家族
6 哼，你不过是个乡巴佬而已！
7 拉姆斯盖特和伊斯莱沃思
第一卷 博里纳日
1 阿姆斯特丹
2 凯
3 古板的乡下教士
4 拉丁文和希腊文
5 曼德斯·德科斯塔
6 长处在哪里？
7 福音传道学校
8 “煤黑子”
9 一间矿工的棚屋
10 成功了！
11 矸石山
12 马卡塞
13 一堂经济学课
14 “易碎品”
15 黑埃及
16 上帝退场
17 破产
18 微不足道的小事件
19 艺术家对艺术家
20 提奥上场
21 莱斯维克老磨坊
第二卷 埃顿
1 干这一行是可以谋生的！
2 疯子
3 学生
4 特斯提格先生
5 安东·毛威
6 凯来到埃顿
7 不，决不，决不！
8 人在有的城市永远不走运
第三卷 海牙
1 第一个画室
2 克里斯汀
3 工作取得进展
4 男人得有个女人才行
5 你必须得赶快开始卖画
6 善，滋长于出乎意料的地方
7 学会受了痛苦而不抱怨
8 “无情之剑”
9 爱
10 “圣家族”
11 提奥来海牙
12 难以捉摸的父亲们
13 艺术是一场战斗
14 ——这就是婚姻
第四卷 纽恩南
1 牧师住宅里的画室
2 织工
3 玛高特
4 要紧的是爱，而不是被爱
5 任你走到哪里
6 审讯
7 你的作品差点儿就能卖出去了，但是
8 吃土豆的人
第五卷 巴黎
1 哦，是啊，巴黎！
2 爆炸
3 要是一个人能当上画家，他干吗非要当伯爵呢？
4 一个原始派画家的肖像
5 绘画应当变成一门科学！
6 罗稣的宴会
7 一个上吊的可怜虫
8 艺术与道德
9 佩雷·唐古伊
10 “小林阴道”
11 为工人的艺术
12 “共产主义科勒尼”
13 向南，向南，向着太阳
第六卷 阿尔
1 地震还是革命？
2 绘画机器
3 “鸽子”
4 邮递员
5 黄房子
6 玛雅
7 高更到来
8 大吵大闹
9 “伏热”
10 在当今的社会，画家只不过是个破罐子
第七卷 圣雷米
1 三等候车室
2 疯人互助会
3 破瓶烂罐就是破瓶烂罐
4 在头童齿豁、气息奄奄的时候，我才学会了作
第八卷 奥维尔
1 首次个人画展
2 精神病专家
3 人是无法把告别画出来的
4 一种急速还原的泥土
5 他们死时也不分离
作者附记
再版后记常涛
篇一：培养孩子从画画开始--读书笔记
绘画是儿童的一种表达方式，孩子不能用语言来表达，又不能靠书写文字来表达，他们通过绘画来表达自己的想法，讲述自己的感受和发现。所以，孩子的画不是用来看的，而是用来听，听了才能明白他们表达的东西。
听画也是有讲究的，2-3岁的孩子，就问他“这是什么”，听他给他所画的东西赋予的含义；4岁以后，就问他们在做什么，听听他的画里故事的内容。因此，用来表达想法的形象不是靠别人教会的，而是自己创造出来升缓的，所以，教孩子画形象，画形象给孩子看，指导孩子用色，让孩子全部填满颜色等等，都是拔苗助长的行为，反而会毁掉他们天生的绘画能力。对于技巧性、性的绘画技巧，最好等孩子过了9岁传授才会有意义。
过早的叫孩子画形象，让他们变得不能用自己的眼睛去看，不能用自己的语言去说，无法概括自己的想法。一副孩子为了表达自己的感动或者是想法而画的画，即使在技术上还未成熟，也能够传达到欣赏者的内心深处，只要给孩子提供画画的伙伴和场所，孩子就会随心所欲、自信的画画。
让孩子和大自然在一起，和朋友在一起过生气勃勃的生活，父母也多和孩子一起多多地体验快乐的生活，有了快乐的体验、有趣的事件，才会有想画的心情，才能够倾注真心去画画，因此不是教授孩子画画的技巧，而是多和孩子一起经历快乐的体验！！
在儿童时期，儿童通过自由的绘画，可以提高以下能力：动手能力、眼睛的协调能力、语言能力、情感和热情、社会能力。
孩子的画
1岁时，主要是手运动的轨迹，是绘画活动的诞生，这时要让孩子充分地涂鸦，不要给孩子看形象，也不要教孩子画形象。
2岁时，眼睛追随手的运动，开始试图用语言解释画（2岁半以后）。这时不要给孩子很多种颜色，仍然不能让孩子画脸等形象，妈妈画形象给孩子看也不好。对于同样一个圆圈，越是脑海中对各种事物有丰富印象的孩子，越是有能力把一个圆圈想象成各种各样的东西。
3岁时，孩子懂得一开始就给画赋予意义，绘画向作为人类的源御表现形式转变的分界点。这时还是不能教孩子画具体形象，不要让孩子画人脸、车、人物之类的东西，要多听孩子讲用很多的圆圈和线条画出来的画的内容，尝试给孩子创造
和朋友一起画画的机会，用色的指导从无色开始。
4岁时，孩子可以自己画出形象了，开始凭印象画画，绘画作雹笑岩品中除了有头足人像，还出现了头体二足人像，作品像商品目录一样，各种事物无秩序排列。这时，欣赏孩子的绘画作品时，不要仅仅看孩子画了些什么形象，更要认真听听孩子的讲述。在平时，应该丰富孩子的生活体验，让孩子广交朋友，尽情玩耍，这样孩子绘画的内容才能丰富起来。如果在这个时候，成人教给孩子如何画画，就是剥夺了孩子认识事物的乐趣，甚至是挫伤了孩子认识世界的积极性。成人如果这样做就是阻碍了孩子成长为人的最重要的学习和发展的能力。
5岁时，孩子并不是把经历过的事情按照自己看到的样子画出来，而是把感兴趣、关心的事情按照自己的认识画出来，开始给事物建立秩序，并开始出现“基底线”，能够把听到的事情在头脑里形成印象并画成画。这时多给孩子讲故事丰富孩子的想象力，家长不要说孩子画的形象奇怪、可笑，要仔细倾听孩子画中所表现的各种关系。
6岁时，孩子惯用基底线建立事物秩序，将事物排列得整整齐齐，开始能够做图案游戏，把事物做抽象化表达。这是，不要用画的好、画的不好来评价孩子的画，重视和孩子之间的谈话，多问孩子画里画的是谁、在哪里、在干什么等。不要总让孩子看电视，把有趣的生活经历作为绘画的主题让孩子画出来，绘本、传说等多读给孩子听，引导他们把故事画出来。
7、8岁时，基底线转变为水平线或地平线，开始分别从正面、侧面、背面三个角度画人物肖像。这时孩子的画逐渐变得让成人一看就能理解，成人要去体会孩子的心情，仔细欣赏孩子的作品。9岁时，开始追求画出眼睛见到的真实景象，成人不要过于苛求他的写实能力，要多和孩子一起动手作画，共同体验亲子活动的乐趣。
篇二：《艾玛画画》读书笔记
幸福是什么?读了《艾玛画画》就知道了些许。
《艾玛画画》讲的.是一个七十多岁的孤独老人，虽然子孙满堂，但是只有猫咪作伴。当偶然的一次机会，所画的画被发现之后很受大家欢迎，她就有了生活的乐趣。说实在的，这国外的绘本真是费解，和儿子反复读了多遍，才懵懵懂懂的体会到书里言喻的幸福：
每个周末，老人艾玛都做很多的糕点等待儿孙前来聚餐，对于老人而言和谐的家庭关系就是幸福;
每次儿孙来之前，艾玛都要收起自己画的儿时山村图，换上孩子为他画的画，尽管画的内容不符合老人的心意，对于老人而言互相尊重就是幸福; 偶然一次，老人艾玛忘记收起自己的那副画，很意外的受到儿孙的称赞，都争相抢要艾玛的画。自从之后，艾玛天天画画，送儿孙、送邻居，她生活满足而充实。对于老人而言被人需要、被人尊重才是最大的幸福。
读完这本书，每个人都有不同的感受。在这里，我告诉儿子：和谐是一种美好的享受，被人需要、被人尊重是最大的幸福。不论在爷爷奶奶那个大家庭里，还是爸爸妈妈这个小家庭里，或者在幼儿园这样的集体家庭里，互相尊重、互相爱戴、互相帮助，才能保持一个和谐的关系，在这样和谐的氛围里，每个人心情都会愉悦。相反，如果大家都互相指责、互相拆台、斤斤计较，生活就会变成一团糟。书中的艾玛老了，她百无聊赖地去逗猫、她闲着没事画画收藏起来，但是她倍感孤独，直到当大家都喜欢她的画，她才变得幸福起来、忙碌起来，这就是艾玛的幸福。
我也开始反思，什么是幸福?
篇三： 关于儿童美术教育读书笔记
儿童们愿意去画画，恐怕不是他们热爱艺术，而是想要通过画画来表示些什么。创造你们心中的画面。儿童“为谁而画”？我们只能说：儿童在一定的社会文化环境中，为“交流信息而画”，为了获得社会、成年人或教师的赞赏而画。
什么才是“自由的教育”呢？用一个不甚恰当的比喻：就象昆虫神秘的蛹化现象，儿童们按照知觉与心理的密码在美术上发育成长，教育的主要责任是拚弃外界的干扰，让儿童顺利地渡过蛹化期，然后，化为“蝴蝶”进入成人社会。
科研表明，当孩子生活在一个轻松愉快的环境中的时候，就容易发明创造，反之，当孩子生活在一个压抑拘束的环境中的时候，就难以发明创造。
孩子志在玩弄这些材料，而不是真的打算做出什么东西来。例如，在绘画活动中，孩子热心的是画图，而不是图画；在玩沙活动中，孩子热衷的是把沙子倒进倒出，而不是要堆沙成塔。正是这种创造的过程，给孩子带来了无穷的乐趣。所以，在创造活动中，父母关注的重
点应是“孩子是怎样创造的”，而不是“孩子已经创造了什么”。 应接纳孩子的一切作品，不论从成人眼光看来这个作品的质量如何；应允许孩子“犯错误”，反复进行尝试；应鼓励孩子自由创造，不要求孩子一定迎合大人的口味。
毅力。教师强调不要轻易换纸，一堂课画好一张画是有道理的，可以逐步培养儿童画前先构想，画中不断改，坚持完成一张作品的好习惯。
1.宋代诗人陆游对儿子说，汝果欲学诗，功夫在诗外。创造机会让孩子广泛接触文化：诗歌、、舞蹈、电影、音乐、历史、哲学、工艺、摄影??
2.买些好画册。歌德、鲁迅都喜收藏各类图片，分类装着，有空就自己或与朋友一块欣赏。
3.多带孩子去参观或旅游。
4.不要一下换一种学习。艺术要学到成为一种气质才有用，武术里叫做“功夫上了身”。蜻蜓点水、水过鸭背没有用。
照葫芦画瓢、概念画、成人画、儿童自由画
传统的、错误的儿童绘画教学方法有三种：
1.照葫芦画瓢。老师挂一张范画，学生照着画；或老师画一笔，学生画一笔，谁画得像谁分高。
2.概念画。把气象万千的世界稀薄地抽象为几个形象概念：红蜘蛛（太阳）、面包云、白菜树、鸡爪草、圆圈花、馒头山、三角房子、蓝色感冒（天和水）??市售的儿童读物中充斥着这类形象。
3.成人画（化）。把教成人那一套照搬过来教孩子，例如人体比
例、三停五眼、焦点透视等等。本来孩子很敢画人的肖像，而且能抓住特征，结果老师为了“提高”，一讲脸部结构的“三停五眼”，孩子反而顿时不敢画，不会画，画不出人的肖像了。
正确的方法是儿童自由画教学法。这种方法是奥地利画家齐赛克在本世纪初，经过数十年的摸索，逐步创造出来的。
家长有空应该带孩子去郊游。野外的生物千姿百态，生动异常，孩子只要看一眼，画起画来都会灵感突现，画出一些意想不到的画面。 教学方式的多样化——上课、讲座、演说、书信、聊天、野外活动等。加上他的书在时间的延伸性和空间的广阔性上都包容了我们想要的答案。但这又不是平铺直叙式的，而可以是“自选商场”式的；由我们自己各取所需。
看一个文明与国家的落后或先进，不用看科技，由那地方第一眼的环境形象便决定了。
美术学习最重要的是通过学习绘画，在绘画过程中内化美感，使人从生物人，社会人，进化到美学人，实现个体生命的审美生成。 绘画过程有一种神奇的审美体验，便是“化腐朽为神奇”。一张布满皱纹的脸，一块枯干的骨头，一件破旧的背囊，乃至小小的昆虫、朽坏的墙面、多节的树根??这些在平时看起来不起眼，甚至丑陋的物象，一旦进入绘画，被作为艺术表现对象，它们便使人感到一种非凡的美，每一个细节都会在我的心里激起审美的狂喜和创造性表现的欲望。
教会了孩子审美，他便会自己到世界上去寻找美和创造美。审美
体验升华人的心灵。美感使人不易庸俗。过审美的生活，以美感组织自身的生存经验，可以超拔一个人，优化人的生存境界和生存环境。 画画的人都知道，心情一紧张就画不好。
人从出生到12岁左右是右脑优势期。右脑主管形象，因此儿童大多喜欢画画（国外调查，占92％）。
我们应该把钥匙交给孩子后，让他自己想办法怎么开门。
孩子画画以后，注意力集中程度提高了，或者是“干别的都不能集中，就是画画能够集中”。迟早，这种集中能力会扩散到干其他事上去的。看看谁画画能画得比较久。
使用是否能抓住物象特征作为判断象征期与高峰期儿童绘画的优劣标准之一。
另一个是针对老师的，比较婉转：老师你不教我孩子怎么会画呀？ 自由画并不是“放羊”画，老师并不是什么都不教。使用自由画教学法，老师教些什么，怎么教呢？
1、根据需要，制定每学期的教学计划，确定每堂课的绘画主题，逐步引导学生扩大观察和表现的视野。不然男孩只画打仗，女孩只画公主、美少女战士。
2、在开始阶段，全力调动学生的积极性，使他们逐步愿画，敢画，“画开手”，不拘谨。学生差别很大，有的几次就行，有的要一个学期或两个学期，甚至更长。
3、在学生愿画、敢画、自由自在画以后，逐步提出进一步的艺术要求，总的原则是色求丰富，形求特征，构图求生动??具体落实到教
学上，就是根据不同的学生提出不同的要求，按照他们的可能性对每张画作出判断：画得够不够；哪里还需改进，等等。因人、因画题而异，因材施教，对某个学生已经够好了，对另一个学生则可能还可以提出更高的要求。
4、在学生已经画到一定时侯，积累了一些绘画感受之后，逐步向学生介绍一些技法要求：写生的程序，明暗的处理，色彩的调配，点、线、面，不平衡中的平衡，疏密、冷暖、放松与抓紧、单纯与丰富、变化与不变化等种种对比??这些技法有时是上课时对全班讲的，更多的是融入对个人具体作品的分析指导过程中。如果一开始就对孩子提出太多的要求，结果只能是吓得他们不敢画。
5、一个时期变换一种手法：水粉、水墨、线描、版画??既扩大孩子的表现可能，又增加他们的兴趣。
自由画教学法对老师的要求很高：对人的判断；看画的眼光；儿童心理学与教育学的素养??最重要的是对孩子的爱。自由画教学法创始人齐赛克说：“我的教育方法没有什么秘诀。只有一个——爱孩子、关心孩子、鼓励孩子并做他们的好朋友。”孩子情绪、课堂气氛、画室环境都是重要的教学因素，老师应尽力使画画成为孩子们快乐的事情。好老师便是使学生对他所教的内容产生由衷的兴趣。 画得够不够；哪里还需改进，等等。
重视过程便是尊重偶然，尊重偶然便是鼓励探索。
没有人愿意让人骂着画画的，兴趣才是最好的老师，而兴趣只能在轻松愉快的气氛中培养。
篇四：培养孩子从画画开始 (读后感)
《培养孩子从画画开始—孩子的画如何看，怎么教》
书的作者：（日）鸟居昭美 著 于群 译
本书是《培养孩子从画画开始---走进孩子的涂鸦世界》的姊妹篇，是日本著名教育家鸟居昭美的另一部教育经典力作。本书更加地论述了孩子从出生到九岁这个阶段涂鸦和绘画的特点，从教育理论和实践两个角度深入讲述如何保护孩子的天性和尊重子个性发展，如何通过正确的引导，培养孩子的想象力和创造力等。
因为这本书适合读者人群：幼儿教育工作家，小学教师，美术教育工作者以及0~9岁孩子的父母，无论从教师的角度还是以后的角度，这本书，看了，肯定是有利的，所以就买了。
另外还有一点吸引我的就是：画画怎么会和培养孩子联系在一起呢，我想从书上找寻一些答案~~~~
整本书分成三章：
第一章：孩子的成长及绘画的作用
第二章：孩子的身心发展及其绘画的鉴赏方法
第三章：亲眼见证孩子的绘画发展过程
那首先，我想说明下，为什么培养孩子要从画画开始？这个问题
众所周知，绘画被称为美术活动或艺术活动，另一方面也被称为表达活动或创造活动，绘画是依赖人类的创造力产生的一种活动，由此而培养出来的能力就是表达力和创造力，通过孩子的绘画，可以知道他各个方面的发展，包括语言，动作，肢体，以及内心的感受，所以培养孩子需要从画画开始，若是父母或老师误导了画画，那就是耽误了孩子的创造力和自身自然的发展规律。因为当大家作为家长或者幼儿园老师来欣赏孩子作品的时候，希望能对孩子融入真实感受的表达给予正面评价，通过这种表达，达到与孩子心与心的沟通与理解。孩子用心表达的部分，正是孩子满怀真诚的地方，通过绘画作品与孩子对话，是对孩子自主形成诚实人格的一种鼓励，但是，如果错误地对画中形式化的部分给予了好评，那就等于对孩子不诚实的态度萌发进行的鼓励，助长了孩子形式主义人格的形成。
孩子的幼儿期及少儿期的绘画活动，是培养人类创造力的关键期。是人的一生中创造力异常活跃并充分发展的时期。所以这个时期会倾听孩子的绘画，指导孩子的绘画是很重要的。目前我看到许多孩子父母指着孩子的画画，乱指乱点。让他们向着成人的绘画方式发展，其实在9岁之前这样的教育方式是不对的。成人如何参与孩子的绘画活动，应该用语言引导的方式培养孩子画画，比如说：今天我们一起到田里挖红薯了，那我们今天就来画挖红薯的情景吧！通过这样对孩子进行语言引导，孩子们就会一边吃着红薯，一边想着挖红薯时的情景，嘴里还兴致勃勃地聊着我们一起到田里挖红薯的情景。所以，这个语言引导就相当于是动机，动机的形成在教学活动中，起着相当重要的作用，它直接决定着教学活动的成功与否。
本书中，让我学习了以下几点：
文字是从绘画发展而来的，就是说，孩子首先应该获得绘画能力（美术文化），然后以此为基础，再去获得书面语言的能力（文字文化）。这才是人类发展的顺序。 学龄前阶段奠定了一个人品格的百分之八十，因此，在培养孩子的时候最好在学龄前有效的教育和培养。 记住，什么事都不应该对孩子惟命是从。 如果孩子央求你给他画画怎么办，解决方法如下： 首先，当我们面对错误的教育方式造成的问题行为时，要确信，因为孩子身心发展的力量是有无限可能性的，所以，无论什么样的问题行为都能得以纠正。 第二，要想纠正孩子的问题行为，不可能依靠孩子本身的力量， 让好的行为得以发展，就能够让问题行为行为逐渐消失，不要对有问题行为的孩子进行批评和责骂，要在生活中制造机会和场所，鼓励孩子的行为向好的方面发展。 具体到画画的事情上，如果孩子不断央求大人“画一个，画一个”，成人要尽量避免用责骂的方式；来改变孩子，不要指责孩子：“画画的事不可以依赖别人，自己画！” 一般情况下，婴幼儿的涂鸦应该是一岁三个月至六个月的时期开始。也就是说，作者认为比较稳妥的做法是以孩子的独立行走作为指标，确定涂鸦开始的时间，由于环境和个人的差异，孩子开始独立行走的时间有早有晚，因此，涂鸦开始的时间，也因孩子的个体差异而不同，请大家不要对此过于焦虑。 两岁儿童的特点是绘画结束之后再进行解释说明，具有很强的随意性 在孩子两岁半以后的涂鸦中出现涂色现象，是代表孩子绘画能力发展的关键点 三岁左右的孩子，不是涂鸦之后对自己的绘画进行解释说明，而是一边画，一边考虑每一线条的意义。这就是所谓的“计划活动” 三岁儿童绘画中，会出现“拟人化表现手法”也就是，比如画太阳，他就会把眼睛和鼻子全部画上去，当做太阳的眼睛和鼻子。因此，当我们看这样的画时，要注意和孩子说话的方式，比如看到象，我们就称为象先生，看到熊就叫它熊先生，看到太阳说太阳公公，要用拟人化地语言和孩子对话。 为了提高边看边画的能力和积极性，把萝卜放在眼前让孩子画，要等到孩子
九至十一岁的阶段（追求视觉写实主义的阶段），才是最适合的阶段。
最后，我要说的是，以后这本书对自己还是有帮助的，先收藏着，作者还提醒妈妈们，一种重要的一点就是：在孩子的涂鸦或绘画作品上， 用铅笔注明绘画日期以及绘画内容，这对于再也无法重返幼儿时期的孩子来说是一份珍贵的纪念品，可以等孩子们长大了以后，当做礼物送给他们。我想，我以后就这么做了~~孩子的创造力发展了，社会才会具有活力，社会才会进步~~
小学教师读书笔记及心得体会(四篇)
小学教师读书心得（一）：
歌德这样说：“读一本好书，就是和许多高尚的人对话。”
最近，我认真阅读了安奈特．L．布鲁肖的《给教师的101条推荐》捧读此书，给我很多收获，带给我教学上许多推荐，在原先教学中的许多疑虑一下烟消云散，里面收入了101个教育小故事，涉及教育的各个坦橡方面，有教师教育孩子的心得，有课堂上意外发生后的随想，有转变观念的体会，有关爱孩子的收获……
读着书中的故事，我不由联想到了自己，如果我遇到了类似的状况，我会如故事中老师一样对待如此的学生吗？当意外发生时，当学生的行为已经超越了底线，我会如何呢？我会和故事中的老师一样一笑了之，灵活的对付，还是会大发雷霆，以自己的威严压载学生个性的闪现？我不得而知，但是我已经在慢慢转变我自己，慢慢融入到孩子们中间，成为他们最为可亲的朋友。
读过此书，我印象最深的是最后一章节：不要放下任何一个孩子。
其中讲到“优秀的老师，让差生变好，让好生更优秀。学生失败的同时，我们也失败了。”反省自己，我所教的班里差生和山较多，每次上课他们都会思想开小差，跟不上进度，久而久之，他们就成了我的眼中钉，肉中刺，轻者无视他们的存在，重者惩罚他们，此刻想来感到很惭愧，每个人都有自己的一技之长，都有自己的分工，自己的生存方式，何必强求十指一样长呢？我们作为教师，不是只培养参天大树，而是让每朵小花都开得灿烂。他爱音乐，就让他成为一名音乐家；他爱美术，就让他成为一名小画家……那样，我们才真正做到让棚旁因材施教，为了一切学生。
小学教师读书心得（二）：
俗话说"一寸光阴一寸金，寸金难买寸光阴"、"知识就是力量"，其实在我的内心深处我一向认为趁着青春年少多看些书，多学些知识是永远不会错的。在走上了三尺讲台之后，由于这职业的原因，我更加喜欢看书、看报，并
俗话说"一寸光阴一寸金，寸金难买寸光阴"、"知识就是力量"，其实在我的内心深处我一向认为趁着青春年少多看些书，多学些知识是永远不会错的。在走上了三尺讲台之后，由于这职业的原因，我更加喜欢看书、看报，并逐渐对教育书刊有所涉猎，其中我最喜欢《小学语文教师》。
一本书刊或杂志能够成为读者的朋友，其实是一件很不容易的事情，而在我的心目中，《小学语文教师》就是我的挚友。我和它的相识其实很平淡无奇，当我初为教师时，为了走好以后事业的第一步，常常要做些准备，其中有一项就是到校图书室借阅书刊，摘抄一些新的教育信息、新的教育理念、新的教育教学方法，而这些，我都透过《小学语文教师》获得了，因此我一次次走近它。
有人说："一本教育杂志，也应当是一所学校，有先进的教育理念，有切实、具体的能够给读者以启迪的教育案例，有高水平的服务……"而《小学语文教师》恰恰如此，它的文章精短实用，可读性强，资料实在，在推动教学改革、传递教学信息方面都有独到之处。
如今，做为一名小学语文教师，我更加期望能在教学方面得到一些切实具体的帮忙，《小学语文教师》将怎样处理教材难点，怎样设计创造性教学方案等都为我们想到了。同时《小学语文教师》推出的"大语文教育文摘"，从大语文的角度，精选报刊精华，为我们及时地带给了各方面的教育信息，也打开了我们的教育视野。此外，"园丁故事"、"封面人物"，不仅仅有吸引人的故事，闪光的教育思想，精妙的育人艺术，还让我们认识和了解到像于永正、李吉林、支玉恒、徐根容等教育界的精英人物及他们先进的教育理念。
据了解，《小学语文教师》已走过20多个风风雨雨，滋润了无数语文教师的茁壮成长，也为许许多多的青年语文教师架起了走向成功的桥梁，是培育教师成长的摇篮。她的风格十分朴素平实。务实、朴实、平实是其魅力的源泉。朴素、精致、人文是其独具的特点。她的园丁故事动人，教学点评中肯，教案设计新颖，教学随笔精致。她贴近教改前沿，是小学语文教改的冲锋号。
在轰轰烈烈的教改之风中，《小学语文教师》宣扬对学生做为"人"的尊重；宣扬对学生生命的唤醒与赏识；宣扬人格平等基础上的情感交流；教育我们用心灵感受心灵，用生命点燃生命，用智慧开启智慧。因此，每当我竭尽所能地传授知识给学生却看到学生似懂非懂的目光时，我都能从《小学语文教师》中再次找寻到信心的起点；每当遇到教学中我自己也弄不太清、搞不太懂的知识时，《小学语文教师》为我解决了燃眉之急；每当我想在教学上有所突破、有所创新时，都是《小学语文教师》为我导航，让我有所创想，寻到教学的"亮点"……
"一分耕耘，一分收获"，我一向坚信多读一些好书，必须会有许多意外收获，在这人生的黄金时间，我想我会一如继往地多读好书，在书的海洋中扬帆远航。同时我想《小学语文教师》也必须将与我携手同行，共同成长，共创未来!
小学教师读书心得（三）：
书到用时方恨少，事非经过不知难。有人说：“一本教育杂志，也应当是一所学校，有先进的教育理念，有切实、具体的能够给读者以启迪的教育案例，有高水平的服务……”而《小学数学教师》恰恰如此，它的文章精短实用，可读性强，资料实在，在推动教学改革、传递教学信息方面都有独到之处。
如今，做为一名小学数学教师，我更加期望能在教学方面得到一些切实具体的帮忙，《小学数学教师》将怎样处理教材难点，怎样设计创造性教学方案等都为我们想到了。她的教学点评中肯，教案设计新颖，教学随笔精致。她贴近教改前沿，是小学数学教改的冲锋号。
在轰轰烈烈的教改之风中，《小学数学教师》宣扬对学生做为“人”的尊重；宣扬对学生生命的唤醒与赏识；宣扬人格平等基础上的情感交流；教育我们用心灵感受心灵，用生命点燃生命，用智慧开启智慧。因此，每当我竭尽所能地传授知识给学生却看到学生似懂非懂的目光时，我都能从《小学数学教师》中再次找寻到信心的起点；每当遇到教学中我自己也弄不太清、搞不太懂的知识时，《小学数学教师》为我解决了燃眉之急；每当我想在教学上有所突破、有所创新时，都是《小学数学教师》为我导航，让我有所创想，寻找到教学的“亮点”。闲暇时翻看一下里面的资料，总是对自己教学的一个充电。学记》曰：“是固教然后知困，学然后知不足也。”对于我们教师而言，要学的东西太多，而我明白的东西又太少了。有人说，教给学生一杯水，教师就应有一桶水。这话固然有道理，但一桶水如不再添，也有用尽的时候。愚以为，教师不仅仅要有一桶水，而且要有“自来水”、“长流水”。“问渠哪得清如许，为有源头活水来”，“是固教然后知困，学然后知不足也”。因此，在教学中，书本是无言的老师，读书是我教学中最大的乐趣。比知识更重要的是方法，有方法才有成功的路径。教师这天的学习主要不是记忆超多的知识，而是掌握学习的方
法——明白为何学习？从哪里学习？怎样学习？如果一个老师没有掌握学习方法，即使他教的门门功课都很优异，他仍然是一个失败的学习者。因为这对于处在终身学习时代的人来说，不啻是一个致命的缺陷。学习型社会为全体社会成员带给了充裕的学习资源。学习化社会中的个体学习，犹如一个人走进了自助餐厅，你想吃什么，完全请便。个体完全能够针对自身的切实需求，选取和决定学习什么、怎样学习、学习的进度等等。
比方法更重要的是方向。在知识经济大潮中，作为一名人民教师，就应认准自己的人生坐标，找准自己的价值空间。教书的生活虽然清贫，但一本好书会使我爱不释手，一首好诗会使我如痴如醉，一篇美文会使我百读不厌。我深深地明白，只有乐学的教师，才能成为乐教的教师；只有教者乐学，才能变成为教者乐教，学者乐学，才能会让学生在欢乐中生活，在愉快中学习，这就是我终身从教的最大追求。
比方向更重要的是态度，比态度更重要的是毅力。“任尔东南西北风，咬定青山不放松。”一天爱读书容易，一辈子爱读书不易。任何人都能够使梦想成为现实，但首先你务必拥有能够实现这一梦想的信念。有信念自有毅力，有毅力才能成功。有一位教育家说过，教师的定律，一言以蔽之，就是你一旦今日停止成长，明日你就将停止教学。身为教师，务必成为学习者。“做一辈子教师”务必“一辈子学做教师”。教师只有再度成为学生，才能与时俱进，不断以全新的.眼光来观察和指导整个教育过程。使广大教师牢固树立终身学习的理念，创造性地开展教书育人工作。
常读书使我明白了许多新道理：教学不再是简单的知识灌输、移植的过程，应当是学习主体（学生）和教育主体（教师，包括环境“人——环境”。学生将不再是知识的容器，而是自主知识的习得者。应对知识更新周期日益缩短的时代，教师务必彻底改变过去那种把教师知识的储藏和传授给学生的知识比为“一桶水”与“一杯水”的陈旧观念，而要努力使自己的大脑知识储量成为一条生生不息的河流，筛滤旧有，活化新知，积淀学养。一个教师，不在于他读了多少书和教了多少年书，而在于他用心读了多少书和教了多少书。用心教、创新教与重复教的效果有天渊之别。
比方向更重要的是态度，比态度更重要的是毅力。“任尔东南西北风，咬定青山不放松。”一天爱读书容易，一辈子爱读书不易。任何人都能够使梦想成为现实，但首先你务必拥有能够实现这一梦想的信念。有信念自有毅力，有毅力才能成功。有一位教育家说过，教师的定律，一言以蔽之，就是你一旦今日停止成长，明日你就将停止教学。身为教师，务必成为学习者。“做一辈子教师”务必“一辈子学做教师”。教师只有再度成为学生，才能与时俱进，不断以全新的眼光来观察和指导整个教育过程。使广大教师牢固树立终身学习的理念，创造性地开展教书育人工作。
学生）和教育主体（教师，包括环境）交互作用的过程。教学模式将“人——人”转变为“人——环境”。学生将不再是知识的容器，而是自主知识的习得者。应对知识更新周期日益缩短的时代，教师务必彻底改变过去那种把教师知识的储藏和传授给学生的知识比为“一桶水”与“一杯水”的陈旧观念，而要努力使自己的大脑知识储量成为一条生生不息的河流，筛滤旧有，活化新知，积淀学养。一个教师，不在于他读了多少书和教了多少年书，而在于他用心读了多少书和教了多少书。用心教、创新教与重复教的效果有天渊之别。
教书和读书生活，使我感悟出了人生的真谛：教师的人生，就应有创新精神。年年春草绿，年年草不同。我们要做“代表先进文化方向”的创新型教师，爱岗敬业是创新型教师应具备的首要条件。他不但具有无私奉献的师魂，诚实正直的师德，全面发展的师观，教书育人的师能，严谨求实的师风，而且还应具有开拓进取的锐气，蓬勃向上的朝气，勇于拼搏的英气，甘愿奉献的“傻”气，自强不息的骨气。吾以培养新世纪之英才，振兴中华为己任，虽生活清贫，但仍以春蚕的精神、红烛的风格、蜜蜂的作风、绿叶的品格和孺子牛的志向，奋力拼搏，无私奉献。
常读书和常思考，使我勇于和善于对自己的教育教学作出严格的反省和内省，既要不惮于正视自己之短，努力探究补救途径，更要擅于总结自己的或同行的成功经验，从中提炼出可供借鉴的精华，为理论的突破夯实根基。愚人不才，笨鸟先飞，我愿把追求完美的教学艺术作为一种人生目标，把自己生命的浪花融入祖国的教育教学改革的大潮之中。
小学教师读书心得（四）：
读了李镇西老师的《做最好的老师》一书，感触很深。这本书是李老师25年教育教学思想和智慧的精华集粹，全方位地阐述了李老师的教育观、学生观、班级管理、思想工作、心理教育以及语文教学的理念与实践。李老师把他的教育思想、教育机智、教育技巧与教育情感融为一体。语言朴实而富有诗意，形象而充满激情。读着书，让人不禁为之激动、赞叹、折服！
启示一:童心是师爱的源泉
李老师提出教育者是否拥有一颗童心，对教育至关重要。教师的童心意味着怀有儿童般的情感，能够自然地与学生“一同哭泣，一同欢笑”的教师无疑会被学生视为知心朋友，赢得学生的心灵。教师的童心意味着拥有儿童般的兴趣，教师的职业要求我们就应在任何方面都与学生有着共同的兴趣爱好，多一种与学生共同的兴趣爱好，你便多了一条通往学生心灵深处的途径，他们会不知不觉地把老师当作朋友。在与学生嬉笑游戏时，教师越是忘掉自己的“尊严”，学生越会对老师油然而生亲切之情——而这正是教育成功的起点。
启示二:没有爱，便没有教育
李老师深深打动我的一个重要原因，便是他始终如一和学生进行心与心的交流。“爱”是李镇西老师永恒的教育理念，他能够和孩子一齐过年，一齐玩雪、拼字照相，真正融入学生生活，在一次次的“师爱”理解中留下了精彩的生命瞬间。在没有读李老师的书之前，我曾那么地自信自己是“爱”学生的。读完这书我扪心自问，我爱每一位学生吗？我对学生的“爱”真的是无怨无悔吗？我暗下决心，必须要改变自己过去的教育方法。当学生犯错时，要努力控制自己的情绪，心平气和地了解学生犯错的原因，站在学生的角度思考问题。李老师让我对热爱学生的爱有了全新而深刻的理解:
爱，不单单是欣赏优秀的学生，而是“怀着一种职责把欣赏与期盼投向每一个学生”。
爱，“不应是居高临下的‘平易近人’，而是发自肺腑的对朋友的爱”。
爱，不应是对学生的错误严加追究，而是“博大的胸襟”“对学生的宽容”。
爱，也不应是对学生的纵容，而是“必然包含着对学生的严格要求，乃至必要的合理的惩罚”。
爱，不只是关心学生的学习、生活、身体，而是要“善于走进学生的情感世界”“理解学生的精神世界“学会用他们的思想感情投入生活，和学生一齐忧伤、一齐欣喜”。
爱，不仅仅仅是只对自己所教的这几年负责，而是“对学生的成长以至未来一生的负责”。
爱，不是用一颗成年人的心去包容一颗颗童心，而是“需要一颗童心”，用童心去碰撞童心。
爱就是“一份纯真，一份庄严，一份职责感”，就是民主，就是平等，就是把“童年还给童年”，就是为学生的‘美丽人生’奠定完美的开端。只有这样的爱，才是真正的爱，只有这样的教育，才是真正的教育。
“如果有点幻想就会有危险，那么，医好这种毛病的办法不是减少幻想，而是增加幻想。”
——摘自《在花季少女倩影下》
画家埃尔斯蒂尔的话，在他位于巴尔贝克的高地的画室里响起，那里堆放着几十幅画，叙述者热情地进行观赏。艺术家过去被称为“母鹿先生”，当时他还是维尔迪兰夫妇小宗派的宠儿，是被人嘲笑的客人，喜欢开毫无意义的玩笑。但他逐渐远离上流社会，以便把全部时间花在自己的作品上。他的作品是使《追忆》的年轻主人公感到震惊的作品之一，也使十分关心他那个时代的艺术更新的马塞尔·普鲁斯特能确定他对绘画艺术的看法。
绘画是普鲁斯特青年时代的一种志向。他在选择职业时，想要从事美术管理工作，他甚至写道，他想当凡尔赛博物馆馆长。他参观所有的展览会——他去卢浮宫是为了欣赏赛塔法内斯的圆锥形金冠——也进行许多旅行： 1898年去阿姆斯特丹，1902年去比利时和荷兰。他也去威尼斯看卡尔帕乔的画，去帕多瓦看乔托的画。后来，他可能去了毕加索的画室，因为他对立体派运动感到困惑。他在书中喜欢的所有绘画，使他的同时代人感到惊讶的所有绘画，他都想亲眼看见。
1921年4月的一天，艺术史学家让—路易·沃杜瓦耶是一个著名插曲的直接见证，这个插曲由普鲁斯特自己在《观点报》上叙高举桐说：“我在海牙的博物馆看到《代尔夫特小景》之后得知，我看到了世界戚坦上最美的绘画。”弗美尔的这幅画是荷兰绘画的精华，普鲁斯特想要再次观赏。他请沃杜瓦耶陪他去博物馆，当时他仿佛已被关在的王国，有几个月闭门不出。于是，普鲁斯特在去世前一年，最后一次观赏弗美尔的这幅画。
在这幅画上，首先可以在近景看到城市和沙滩，还有几个人物。但读了普鲁斯特的作品之后，立刻在画上寻找这一小块著名的黄色墙面，这墙面使中的作家贝戈特倒下，他在倒下前低声说出“一小块黄色墙面，我本应这样来写”。这幅画，这完美的绘画，即弗美尔的完美，赋予他一种形象，这形象应该是他风格的形象，并凝结在绘画的一个点上：这一小块黄色墙面，画得完美，珍贵得如同远东的漆器。然而，这个细节虽然写在书页中间，无疑曾使普鲁斯特激动，却无法在这幅画上找到。也许有一个屋顶，在画面右边，似乎有点金色。回忆再次起到变形的作用，因为普鲁斯特写的文字，跟我们看到的事物并不符合，这是在家那里文学和绘画之间的差异的完美形象。这种差异已存在于贝戈特这个人物中：他在普鲁斯特的第一部体随笔《让·桑特伊》中是画家，在《追忆似水年华》中成了作家。
在这部中，绘画天才在埃尔斯蒂尔的形象中体现出来。他是书中真正的主人公之一，因为他的经历首先跟斯万对奥黛特的爱情有关，然后跟叙述者对阿尔贝蒂娜的爱情有关。画家这个人物在不断变化，但答启他每次变化都涉及爱情。另外，也别去寻找钥匙，不要试图了解谁是他的模特儿：他有点像惠斯勒，有点像埃勒，也有点像莫奈。在他的画室里，叙述者发现了写作的一个隐喻。在他的眼里，线条都混杂在一起，大海变成了陆地，陆地变成了大海，雪花跟浪花重叠，雪地上仿佛有一艘船……看着他的绘画，叙述者在谈论“视错觉”。埃尔斯蒂尔的画室，在他看来是新的创世实验室。
叙述者跟他的朋友罗贝尔·德·圣卢一起在里弗贝尔遇到埃尔斯蒂尔。他后来到画家在巴尔贝克的画室去拜访他，在画家的许多绘画作品中间，他的目光停留在一幅海景画上。
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原文摘录
先说实用的态度。做人的第一件大事就是维持生活。既要 生活，就要讲究如何利用环境 。
意义大半都起于实用 。明了实用之后，才可以对他起反应动作，或是爱他，或是恶他，或是求他，或是拒他，木商看古松的态度便是衡埋肢如此。
科学的态度则不然。它纯粹是客观的，理论的。
美感一不带意志欲念，有异于实用态度，二不带抽象思考，有异于科学态度；
古松的形象一半是天生的，一半也是人为的。极平常的知觉都带有几分创造性；极客观的东西之中都有几分主观的成分。
实用的态度以善为最高目的，科学的态度以真为最高目的，美感的态度以美为最高目的 。
注意：知道这番道理，我们就可以知道许多通常被认为美感的经验其实并非美感了。假如你是武昌人，你也许特别欢喜崔颢的《黄鹤楼》诗；假如你是陶渊明的后裔，你也许特别欢喜《陶渊明集》；假如你是道德家，你也许特别欢喜《打鼓骂曹》的戏或是韩退之的《原道》；假如你是古董贩，你也许特别欢喜河南新出土的龟甲文或是敦煌石窟里面的壁画；假如你知道达·芬奇的声名大，你也许特别欢喜他的液模《蒙娜丽莎》。这都是自然的倾向，但是这都不是美感，都是持实际人的态度，在艺术本身以外求它的价值。
总而言之，美和实际人生有一个距离，要见出事物本身的美，须把它摆在适当的距离之外去看。
再就上面的实例说，树的倒影何以比正身美呢？它的正身是实用世界中的一片段，它和人发生过许多实用的关系。人一看见它，不免想到它在实用上的意义，发生许多实际生活的联想。它是避风息凉的或是架屋烧火的东西。在散步时我们没有这些需要，所以就觉得它没有趣味。 倒影 是隔着一个世界的，是幻境的，是与实际人生无直接关联的。我们一看到它，就立刻注意到它的轮廓线纹和颜色，好比看一幅图画一样。这是形象的直觉，所以是美感的经验。总而言之，正身和实际人生没有距离，倒影和实际人生有距离，美的差别即起于此。
同理， 游历新境 时最容易见出事物的美。习见的环境都已变成实用的。比如我久住在一个城市里面，出门看见一条街就想到朝某方向走是某家酒店，朝某方向走是某家银行；看见了一座房子就想到它是某个朋友的住宅，或是某个总长的衙门。这样的“由盘而之钟”，我的注意力就迁到旁的事物上去，不能专心致志地看这条街或是这座房子究竟像个什么样子。在崭新的环境中，我还没有认识事物的实用的意义，事物还没有变成实用的，一条街还只是一条街而不是到某银行或某酒店的指路标，一座房子还只是某颜色某线形的组合而不是私家住宅或是总长衙门，所以我能见出它们本身的美。
我说“距离”时总不忘冠上“适当的”三个字，这是要注意的。“距离”可以太过，可以不及。艺术一方面要能使人从实际生活牵绊中解放出来，一方面也要使人能了解，能欣赏，“距离”不及，容易使人回到实用世界，距离太远，又容易使人无法了解欣赏。
“ 移情 作用”是 把自己的情感移到外物身上去，仿佛觉得外物也有同样的情感 。
从理智观点看，移情作用是一种 错觉 ，是一种迷信。但是如果把它勾销，不但艺术无由产生，即宗教也无由出现。艺术和宗教都是把宇宙加以生气化和人情化，把人和物的距离以及人和神的距离都缩小。它们都带有若干神秘主义的色彩。
移情作用不一定就是美感经验，而美感经验却常含有移情作用。
真正的美感经验都是如此，都要达到 物我同一 的境界，在物我同一的境界中，移情作用最容易发生，因为我们根本就不分辨所生的情感到底是属于我还是属于物的。
英国姑娘的“美”和希腊女神雕像的“美”显然是两件事，一个是只能引起 快感 的，一个是只能引起 美感 的。
从我们的立脚点看，美感和快感是很容易分别的。 美感与实用活动无关，而快感则起于实际要求的满足 。
弗洛伊德把文艺认为是性欲的表现 。
文艺和梦一样，都是带着假面具逃开意识检察的欲望。举一个例来说。男子通常都特别爱母亲，女子通常都特别爱父亲。依弗洛伊德看，这就是性爱。这种性爱是反乎道德法律的，所以被压抑下去，在男子则成“ 俄狄浦斯情意综 ”，在女子则成“ 厄勒克特拉情意综 ”。
联想咐世是 以旧经验诠释新经验 ，如果没有它，知觉、记忆和想像都不能发生，因为它们都得根据过去的经验。
联想大半是 偶然 的。
联想的性质如此。多数人觉得一件事物美时，都是因为它能唤起甜美的联想。
欣赏之前要有了解。 了解是欣赏的预备，欣赏是了解的成熟 。
考据所得的是历史的知识。历史的知识可以帮助欣赏却不是欣赏本身。
我们把他们区分起来，可以得四大类。
我是倾向这一派的，不过我也明白它的缺点。印象派往往把快感误认为美感。
批评也不是欣赏。
总而言之， 考据不是欣赏，批评也不是欣赏，但是欣赏却不可无考据与批评 。
从前老先生们太看重考据和批评的功夫， 现在一般青年又太不肯做脚踏实地的功夫，以为有文艺的嗜好就可以谈文艺 ，这都是很大的错误。
因此，有一派哲学家说美是心的产品。美如何是心的产品，他们的说法却不一致。
康德以为美感判断是主观的而却有普遍性，因为人心的构造彼此相同。黑格尔以为美是在个别事物上见出“概念”或理想。比如你觉得峨眉山美，由于它表现“庄严”、“厚重”的概念。你觉得《孔雀东南飞》美，由于它表现“爱”与“孝”两种理想的冲突。
依我们看，美不完全在外物，也不完全在人心，它是 心物婚媾后所产生的婴儿 。
所以松的形象这 一个艺术品的成功，一半是我的贡献，一半是松的贡献 。
① 矛盾
其实“自然美”三个字，从美学观点看，是自相矛盾的，是“美”就不“自然”，只是“自然”就还没有成为“美”。
② 美的标准是人定的
你如果仔细研究，就可以发现它是 取决多数 ，像选举投票一样。如果一百人之中有过半数的鼻子是一寸高，一寸就成了鼻高的标准。所以通常人说一件事丑，其实不过是因为它稀奇古怪。
照这样说，世间美鼻子应该多于丑鼻子，何以实际上不然呢？自然美的难，难在件件都合式。高低合式的大小或不合式，大小合式的肥瘦或不合式。
离开人的观点而言，自然也本无所谓美丑 ，美丑是观赏者凭自己的性分和情趣见出来的。自然界唯一无二的固有的分别，只是常态与变态的分别。通常所谓“自然美”就是指事物的常态，所谓“自然丑”就是指事物的变态。
① 写实主义
但在表面上看，理想主义和写实主义似乎相反，其实它们的基本主张是相同的，它们都 承认自然中本来就有所谓美 ，它们都以为艺术的任务在模仿，艺术美就是从自然美模仿得来的。它们的艺术主张都可以称为的主义。它们所不同者， 写实派以为美在自然全体，只要是葫芦，都可以拿来作画的模型；理想派则以为美在类型，画家应该选择一个最富于代表性的葫芦 。严格地说，理想主义只是一种精炼的写实主义，以理想派攻击写实派，不过是以五十步笑百步罢了。
美的欣赏也是如此，也是把自然加以艺术化。
自然美可以化为艺术丑，自然丑也可以化为艺术美。
法国画家德拉库瓦说得好：“ 自然只是一部字典而不是一部书。”人人尽管都有一部字典在手边，可是用这部字典中的字来做出诗文，则全凭各人的情趣和才学。
艺术的雏形就是游戏。
什么叫做 想像 呢？它就是在心里唤起 意象 。比如看到寒鸦，心中就印下一个寒鸦的影子，知道它像什么样，这种心镜从外物摄来的影子就是“意象“
这种回想或凑合以往意象的心理活动叫做“想像”。 想像有 再现 的，有 创造 的。一般的想像大半是再现的。例如《诗经》中“比”、“兴”两体都是根据类似联想。
艺术不同哲学，它最忌讳抽象。 具体的意象才能引起深切的情感 。比如说“贫富不均”一句话入耳时只是一笔冷冰冰的总账，杜工部的“朱门酒肉臭，路有冻死骨”才是一幅惊心动魄的图画。思想家往往不是艺术家，就因为不能把抽象的概念翻译为具体的意象。
文艺作品都必具有完整性。它是旧经验的新综合，它的精彩就全在这综合上面见出。在未综合之前，意象是散漫零乱的；在既综合之后，意象是谐和整一的。这种综合的原动力就是情感。 凡是文艺作品都不能拆开来看 。
因为有情感的综合，原来似散漫的意象可以变成不散漫，原来似重复的意象也可以变成不重复。
晋以后的诗和晋以后的词大半都是细节胜于总印象，聪明气和斧凿痕迹都露在外面，这的确是艺术的衰落现象。
因为类似联想的结果，物固然可以变成人，人也可变成物。物变成人通常叫做“ 拟人 ”，人变成物通常叫做“ 托物 ”。“拟人”和“托物”都属于 象征 ，所谓“象征”，就是以甲为乙的符号。
（拟人不多说了，大家都懂。）最普通的托物是“寓言”，寓言大半拿动植物的故事来隐射人类的是非善恶。
象征最大的用处就是以具体的事物来代替抽象的概念。我们在上文说过，艺术最怕抽象和空泛，象征就是免除抽象和空泛的无二法门。象征的定义可以说是：“ 寓理于象 ”。
在艺术作品中人情和物理要融成一气，才能产生一个完整的境界。
换一种情感就是换一种意象，换一种意象就是换一种境界。即景可以生情，因情也可以生景。
一般批评家常欢喜把文艺作品分为“主观的”和“客观的”两类，以为写自己经验的作品是主观的，写旁人的作品是客观的。这种分别其实非常肤浅。凡是主观的作品都必同时是客观的，凡是客观的作品亦必同时是主观的。
总之，主观的艺术家在创造时也要能“超以象外”，客观的艺术家在创造时也要能“得其环中”。
在艺术方面，受情感饱和的意象是嵌在一种 格律 里面的。
在西方文艺中，古典主义、浪漫主义、写实主义和象征主义相代谢的痕迹也是如此。各派有各派的格律。
格律的起源都是归纳的，格律的应用都是演绎的。它本来是自然律，后来才变为规范律 。
从历史看，艺术的前规大半是先由自然律变而为规范律，再由规范律变而为 死板 的形式。
拿一个实例来说，比如看见一位年轻的姑娘，你如果把这段经验当作“事”来叙，你只须说：“我看见一位年轻姑娘”；如果把它当作“理”来说，你只须说：“她年纪轻所以漂亮。”事既叙过了，理既说明了，你就不必再说什么，听者就可以完全明白你的意思。但是如果你一见就爱了她，你只说“我爱她”还不能了事，因为这句话只是叙述一桩事而不是传达一种情感，你是否真心爱她，旁人在这句话本身中还无从见出。（所以你可以用往而复返的格式）它所以往而复返者，就因为情感也是往而复返的。这种道理在较长的诗里更易见出，你把《诗经》中《卷耳》或是上文所引过的《黍离》玩味一番，就可以明白。
韵只是音节中一个成分。音节除韵以外，在章句长短和平仄交错中也可以见出。章句长短和平仄交错的存在理由也和韵一样，都是顺着情感的自然需要。分析到究竟， 情感是心感于物的激动，和脉搏、呼吸诸生理机能都密切相关。这些生理机能的节奏都是抑扬相间，往而复返，长短轻重成规律的 。
技巧可以分为两项说，一项是关于 传达的方法 ；一项是关于 媒介的知识 。
任所欣赏的意象支配筋肉的活动，使筋肉所变的动作恰能把意象画在纸上或是刻在石上。 这种筋肉活动不是天生自在的，它须费一番工夫才学得来。
各种艺术都各有它的特殊的筋肉的技巧。
什么叫做“媒介”？它就是艺术传达所用的。
凡是艺术家都须有一半是诗人，一半是匠人 。他要有诗人的妙悟，要有匠人的手腕。
“天才”究竟是怎么一回事呢？ 它自然有一部分得诸 遗传 ；天才自然也有一部分成于 环境 。
我承认遗传和环境的影响非常重大，但是我相信它们都不能完全解释天才。在固定的遗传和环境之下，个人还有 努力 的余地。
最容易显出天才的地方是灵感 。
灵感有三个特征：
从前人大半以为灵感非人力，以为它是神灵的感动和启示。在灵感之中，仿佛有神灵凭附作者的躯体，暗中驱遣他的手腕，他只是坐享其成。
现在认为，灵感就是在 潜意识 中酝酿成的情思猛然涌现于意识。
推广一点说，凡是艺术家都不宜只在本行小范围之内用功夫，须 处处留心玩索 ，才有深厚的修养。鱼跃鸢飞，风起水涌，以至于一尘之微，当其接触感官时我们虽常不自觉其在心灵中可生若何影响，但是到挥毫运斤时，他们都会涌到手腕上来，在无形中驱遣它。
但是我们不要忘记，完满的人生见于这三种活动的平均发展，它们虽是可分别的而却不是互相冲突的。“实际人生”比整个人生的意义较为窄狭。一般人的错误在把它们认为相等，以为艺术对于“实际人生”既是隔着一层，它在整个人生中也就没有什么价值。有些人为维护艺术的地位，又想把它硬纳到“实际人生”的小范围里去。这般人不但是误解艺术，而且也没有认识人生。我们把实际生活看作整个人生之中的一片段，所以在肯定艺术与实际人生的距离时，并非肯定艺术与整个人生的隔阂。严格地说， 离开人生便无所谓艺术，因为艺术是情趣的表现，而情趣的根源就在人生；反之，离开艺术也便无所谓人生，因为凡是创造和欣赏都是艺术的活动，无创造、无欣赏的人生是一个自相矛盾的名词 。
凡是完美的生活都是人格的表现 。
艺术的创造之中都必寓有欣赏，生活也是如此 。
有美术口胃的人都觉得图画比相片美得多。文学作品也是同样。
上等文学作品中，——尤其在诗词中——这种言不尽意的例子处处都可以看见。流行语中有一句说：“ 言有尽而意无穷 “。
拿美术来表现思想和情感，与其尽量流露，不如稍有含蓄；与其吐肚子把一切都说出来，不如留一大部分让欣赏者自己去领会。 因为在欣赏者的头脑里所生的印象和美感，有含蓄比较尽量流露的还要更加深刻 。换句话说，说出来的越少，留着不说的越多，所引起的美感就越大越深越真切。
诗词比散文的弹性大；换句话说，诗词比散文所含的无言之美更丰富。散文是尽量流露的，愈发挥尽致，愈见其妙。诗词是要含蓄暗示，若即若离。
现在如果要提高文学，必先提高文学欣赏力；要提高文学欣赏力，必先在诗词方面特下功夫，把鉴赏无言之美的能力养得很敏捷。因此我很望文学创作力在 诗词 方面多努力，而学校国文课程中诗歌应该占一个重要的位置。
人类何以有美术的要求？这个问题本非一言可尽。现在我们姑且说，美术是帮助我们超脱现实而求安慰于理想境界的。 人类的意志可向两方面发展：一是现实界，一是理想界 。不过现实界有时受我们的意志支配，有时不受我们的意志支配。譬如我们想造一所房屋，这是一种意志。要达到这个意志，必费许多气力去征服现实，要开荒辟地，要造砖瓦，要架梁柱，要赚钱去请泥水匠。这些事都是人力可以办到的，都是可以用意志支配的。但是我们的意志想造一座空中楼阁。现实界凡物皆向地心下坠一条定律，就不可以用意志征服。所以意志在现实界活动，处处遇障碍，处处受限制，不能圆满地达到目的，实际上我们的意志十之八九都要受现实限制，不能自由发展。譬如谁不想有美满的家庭？谁不想住在极乐国？然而在现实界决没有所谓极乐美满的东西存在。因此我们的 意志就不能不和现实发生冲突 。
一般人遇到意志和现实发生冲突的时候，大半让 现实征服了意志 ，走到悲观烦闷的路上去，以为件件事都不如人意，人生还有什么意味？所以堕落、自杀、逃空门种种的消极的解决法就乘虚而入了，不过这种消极的人生观不是解决意志和现实冲突最好的方法。因为我们人类生来不是懦弱者，而这种消极的人生观甘心让现实把意志征服了，是一种极懦弱的表示。
然则此外还有较好的解决法么？有的，就是我所谓 超脱现实 。我们处世有两种态度，人力所能做到的时候，我们竭力征服现实。人力莫可奈何的时候，我们就要暂时超脱现实，储蓄精力待将来再向他方面征服现实。超脱到那里去呢？ 超脱到理想界去 。现实界处处有障碍有限制，理想界是天空任鸟飞，极空阔极自由的。现实界不可以造空中楼阁，理想界是可以造空中楼阁的。现实界没有尽美尽善，理想界是有尽美尽善的。
此美术家的生活就是超现实的生活；美术作品就是帮助我们超脱现实到理想界去 求安慰 的。换句话说，我们有美术的要求，就因为现实界待遇我们太刻薄，不肯让我们的意志推行无碍，于是我们的意志就跑到理想界去求慰情的路径。美术作品之所以美，就美在它能够给我们很好的理想境界。所以我们可以说，美术作品的价值高低就看它超现实的程度大小，就看它所创造的理想世界是阔大还是窄狭。 但是 美术又不是完全可以和现实界绝缘的 。它所用的——例如雕刻用的石头，图画用的颜色，诗文用的语言——都是在现实界取来的。它所用的材料——例如人物情状悲欢离合——也是现实界的产物。所以美术可以说是 以毒攻毒，利用现实的帮助以超脱现实的苦恼 。上面我们说过，美术作品的价值高低要看它超脱现实的程度如何。这句话应稍加改正，我们应该说， 美术作品的价值高低，就看它能否借极少量的现实界的帮助，创造极大量的理想世界出来。
我不愿像柏拉图、叔本华一般人以伦理眼光抨击自杀。生的自由倘若受环境剥夺了，死的自由谁也不能否认的。
但是自杀以外，绝非别无他路可走。
① 第一条路 绝世而不绝我
最普通的是 绝世而不绝我 ，这条路有两分支。
玩世者与逃世者都只能绝世而不能绝我。不能绝世，便不能无赖于人。牵绊既未断尽，而人世忧患乃有时终不能不随之俱来。所以玩世与逃世，就人说，为不道德；就己说，为不澈底。
衡量起来，还是自杀为直截了当。
② 第二条路 绝我而不绝世
什么叫做“ 绝我而不绝世 ”？就是流行语中所谓“ 舍己为群 ”，不过这四字用滥了，因而埋没了真义。所谓“绝我”，其精神类自杀，把涉及我的一切忧苦欢乐的观念一刀斩断。所谓“不绝世”，其目的在改造，在革命，在把现在的世界换过面孔，使罪恶苦痛，无自而生。这世界是污浊极了，苦痛我也够受了。我自己姑且不算吧，但是我自己堕入苦海了，我决不忍眼睁睁地看别人也跟我下水。我决计要努力把这个环境弄得完美些，使后我而来的人们免得再尝受我现在所尝受的苦痛，我自己不幸而为奴隶，我所以不惜粉身碎骨，努力打破这个奴隶制度，为他人争自由，这就是绝我而不绝世的态度。持这个态度最显明的要算 释迦牟尼 ，他一身都是“以出世的精神，做入世的事业”。佛教到了末流，只能绝世而不能绝我，与释迦所走的路恰相背驰，这是释迦始料不及的。古今许多哲人、宗教家、革命家，如墨子，如耶稣，如甘地，都是从绝我出发到绝世的路上的。
③ 第三条路 自杀
自杀比较绝世而不绝我，固为澈底，然而较之绝我而不绝世，则又微有欠缺。
